音乐论文
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音乐论文1
摘 要：电影音乐的作用在于揭示主题、刻画人物、推动情节、渲染气氛等,同时,电影音乐的旋律主要是挖掘人物内心无法用语言或者不必用语言表达出来的感情变化.因此,音乐在电影里是不可缺少的,而且得到人们普遍的欢迎和喜爱.更多电视电影论文相关范文尽在职称论文发表网。
关键词：电视电影论文
电影音乐指的是为电影而创作的音乐，它以电影为载体，通过录音技术将电影对白、音乐演奏、音响效果合成在一起，是电影艺术中不可或缺的一部分。它在深化影片主题、刻画人物形象、推动剧情发展、抒发感情等方面起着重要的作用。
《海上钢琴师》(又名《1900传奇》)这部影片是由意大利著名导演朱塞佩托纳托雷执导，脚本根据名著《二十世纪》改编，意大利著名作曲家埃尼奥莫利康内作曲，该影片获得过第57届金球奖中的最佳音乐奖。由于阵容强大、制作精细、故事感人、给人启迪，是一部深受观众欢迎、广受赞誉的优秀作品，电影中的经典音乐为该片的极大成功增色不少。
一、电影音乐能够深化电影主题
电影音乐由于得到广大观众的认可，因而成为电影的重要组成部分，它属于某部特定的电影。我们常常因为对一首电影音乐的熟悉、喜爱从而产生兴趣去观看这部电影。一方面，电影音乐比电影流传性更广，更容易得到观众的了解、接受，熟悉、喜爱;另一方面电影音乐比电影的传播途径更多，产生的影响更大，使我们对电影的理解和看法更加深刻。电影音乐具有明确的指向性，如同根据一定故事情节所做的带有歌词的歌曲，歌词就是对歌曲含义最好的解释，是人们了解歌曲内容最好的方式。电影中的音乐按照不同功能有不同的作用，如背景音乐必须与电影所表现的年代、表现的场景、具体的故事情节相联系;必须与影片的画面镜头互相呼应;必须与电影人物的形象、特点、情绪、心理等相符。有时，音乐就是人物的标志，特别的音乐代表着特殊的人物，不同的人物需要与之相对的不同的音乐风格;有时即使是同一个人物，根据电影剧情需要表现的不同效果，也需要不同的音乐来反映、衬托。这时的音乐不再是自由的、孤立的，是基于电影画面，符合影片人物形象、合乎人物特点，建立在影片的故事情节上，是具体的、有一定含义的，是能更好表现电影内容、深化电影主题的一个道具、一种艺术形式。
为了使影片达到更好的艺术效果，使人物形象更加深入人心，导演会使出各种手段。比如在演员的语言上下功夫，说话有固定的口头禅;在行为上有固定的模式，有特别的小动作;在形象上有特别的喜好、着装风格等，电影音乐也具有这样的作用。对于特别的人物，需要特殊的手法。大海是沉默的、钢琴是无言的，1900是孤独的。对《海上钢琴师》(《1900传奇》)中的主人公1900来说，他不擅长语言，不常与人交流，甚至不知道该说什么，电影惯用的手法：语言、对话无法使用，于是音乐就成了1900的“语言”，钢琴就是他的心声，而这才是更准确刻画他内心世界应采用的方式。电影音乐取代了语言这种电影常用的形式，在影片中发挥着独一无二、不可替代的作用。影片中经常有这样的镜头：1900常常望着窗外一望无际、广袤无垠的大海一边神游着、幻想着，一边弹着钢琴，这时音乐代表着他的思想，就是主人公内心的语言;1900看到身边举止打扮各异的人们，一边猜测着、一边用手中不同旋律、不同节奏、不同风格的钢琴音乐来描绘这些不同的人物形象。电影中有这样一幕:深夜，1900一遍遍在钢琴上回忆着录音那天遇到心爱的姑娘时，灵感迸发后弹奏的那段优美深情的旋律，不停地寻找着、弹奏着，抒发着心中对姑娘刻骨、连绵的思念。观众通过观看电影、了解电影的故事情节，从而对电影音乐产生更深层次的认识，电影主题也因为电影音乐这个有力的工具得到了深化。
二、电影音乐能够刻画电影中人物的性格、形象
特殊的环境造就了特殊的人物，对于这位终生以海为家的天才钢琴家1900来说，钢琴和大海就是他的生活，他的一切。《海上钢琴师》中的主人公1900是名演奏技巧高超的钢琴家，他所生活的时代正是爵士音乐崛起并广泛流传的年代，因此他的`音乐深受爵士乐的影响、具有爵士钢琴的特点;同时1900生性自由，不受拘束，他的音乐同样具有这样的特点，具有明显的自我风格，他的音乐作品上都深深地刻有属于1900的、独特的、自由的烙印。
电影有这样一个故事情节：深夜弗吉尼亚客轮的大厅传出的阵阵优美的琴声，深深吸引了人们，大家纷纷猜测是谁在演奏。只见一个年幼的孩子正在钢琴上自由地演奏着动听的旋律。大家非常好奇，一位贵夫人问船长，他是谁?船长说1900。船长斥责1900，怎么出现在这儿，不合规矩。稚嫩的1900大声说，去他的规矩。正如1900自己所说的那样，他的音乐，从来没有一定的标准、从来没有什么严格的定义、没有规则，没有约定俗成、没有人云亦云，他以自己的理解、自己的方式来创作音乐、演奏音乐。对他而言，音乐是自由的，一切随心。
自由就是1900的性格、1900音乐真正的主题。他经常兴之所至，即兴演奏一些钢琴作品。电影中有这样一幕场景：夜晚狂风大作、海上波涛汹涌。刚从陆地来到船上的小号手马克思十分不适应，被船颠簸着跌跌撞撞从房间滚到了大厅，大厅中主人公1900却不受影响，从容地坐在钢琴前，自如弹奏着。他享受着大海独有的韵律，犹如一条在大海中来去自由的鱼儿，伴随着左右摇晃的轮船，一曲美妙的、华丽的爵士乐舞曲从他手下喷薄而出。不论船怎么摇晃、钢琴怎么转移，1900手下的旋律源源不断，辉煌的音乐，优美、明亮，不知疲倦的旋律及复杂、多变的节奏，不受任何影响。镜头中钢琴在大厅中来回旋转，犹如游乐场中转圈的木马，人们的视线随着镜头的转换不断移动着、追逐着，钢琴仿佛成为1900手中表演的玩具，他驰骋在音乐的海洋，高超的技艺令人赞叹不已……夸张的电影情节、优美动人的音乐，导演充分利用了电影特技，展示了1900非凡、惊人的琴技，音乐、画面、演员精彩的演出，将1900这个天才音乐家的形象刻画得栩栩如生，给观众留下了深刻印象。
没有什么是音乐所不能表现的，音乐比语言更强大!电影通过钢琴家手下的音乐来表现他的心情变化，他在音乐的情绪，在他的音乐中展示主人公的精神自由，更准确地刻画了一个勇敢的、随性的，按自己的方式生活的主人公1900!他听命于感觉、自由随性的性格，使人感到幸福,终生难忘!
三、电影音乐能够推动剧情的发展
电影是浓缩的精华，要在有限的时间、有限的篇幅，充分利用有限的人力、物力里表现错综复杂的、年度久远的甚至跨越几代人、几个世纪的剧情，这就需要采用一些特殊的手法，而电影音乐就有这样的独特功能，可以实现电影所需要的特殊的效果。电影音乐能够将电影中不连续的、跳跃较大的故事情节、场景、对话连在一起，形成一个整体，这种功能被称为“音乐蒙太奇”。电影音乐对观众的影响是深远的，它能使观众的心理产生变化，这种变化可以加强影片的节奏、推动剧情的发展，变化。
哪里有钢琴，哪里就有1900。电影中有这样一个镜头：船的下等仓里，挤满了衣衫褴褛的人们。1900正坐在钢琴前，面向大海，灵动的手指在钢琴上奔跑着，大家欣赏着优美华丽的音乐，一个个如痴如醉;下一个镜头，同样的地点，同样是穿着破烂的穷人，1900还是坐在钢琴前，他满足着一位客人想听家乡音乐的愿望，稍加思索，一首即兴的具有客人家乡节奏的音乐应运而生，大家被这活泼动感的音乐打动了，人们忘情地随着音乐舞蹈着、欢乐着，一个个兴奋不已……同一个场景，同一个主人公，不同的音乐抒发着不同的情绪，给人们带来不同的感受。导演利用电影音乐，在两个相似的场景中表现出了不同的剧情。
一部描写人的电影，仅有生活是不全面的，还要有感情，如友情、亲情，更少不了爱情，这个被永远歌颂的人类生活的主题。然而由于《海上钢琴师》中的主人公1900是个弃儿，又常年生活在海上，除了大海、钢琴和身边客轮上的伙伴以外，和其他人接触很少，缺乏亲情、缺少友情，爱情更是无从说起，一片空白。于是导演设计了这样一个故事情节：在1900生平惟一的一次录音中，他的目光邂逅了一位纯洁的女孩，他的心第一次因为异性而悸动了。心乱了，手指却依旧自如，音乐的旋律更加温柔、更加动人、更加悠扬。音乐是时间的艺术，它永远被定格在了那一刻。这是一个世界上最简单，最温柔，最动人的爱情旋律，它凝结了1900内心的纯洁和美丽，记录了他爱的心声、爱的情感，是1900爱的钢琴曲。优美的、动人的旋律，如同一波碧水中的涟漪将主人公心动的感觉表达得十分到位。电影音乐这个特殊的道具，贴切地展现了1900的内心变化，直接推动了剧情的发展。
四、电影音乐能够创造情感体验，渲染气氛、抒发感情 抒情是电影音乐最重要的作用，它对于刻画人物内心思想、表达人物情绪变化、表现人物性格特征、彰显人物特点具有十分显著的效果，同时电影音乐在渲染影片气氛方面也发挥着极大作用。一部电影很多场景、很多情节，在剧中人物的情绪变化、思想转变、内心世界等演员无法用语言、动作来演绎时，都需要贴切的电影音乐来衬托、表现，一部电影的成功是与其优秀的电影音乐分不开的。如在电影《海上钢琴师》中，导演采用倒叙的手法，利用主人公1900的好朋友马克思的回忆将其引入。孤单的小号，低沉、优美而略带伤感的旋律萦绕在静谧的晚上，此时电影中的背景音乐显得异常悲伤哀怨，立刻为影片渲染上了一种暗淡的情绪，也将人们的心情蒙上了灰色的影子。不期然，耳畔也响起了用钢琴奏出的同样的旋律……电影音乐帮助电影渲染了气氛、抒发了感情，让观众随之产生了各种情感体验。
这部电影中还有很多细节，也抒发了主人公的内心感情。电影中有这样一个情节：1900终于下定决心离开大海，去陆地寻找自己的爱情，他一步步走下楼梯，走向陆地。突然他停了下来，将自己崭新的黑色礼帽扔向了大海。礼帽在海中不停旋转着，越飘越远，犹如1900将一直盘旋在自己脑中离开陆地的想法永远抛弃一样。此时的电影背景音乐显得低缓沉重，正表现了主人公犹豫、踌躇的心情。正如意大利《电影消息》的评论所说，意大利导演朱塞佩托纳托雷非常善于积累和创造细节，以避免自己一向简洁平稳的叙述方式流于平淡，赋予他的作品以浪漫色彩。①
五、结 语
电影给观众叙述了一个久远的故事，展示了一段传奇的人生。电影音乐、电影影像互相配合、互相呼应，加上演员的精彩演绎共同作用给观众呈现出别样的时代、别样的生活。《海上钢琴师》这部充满爵士音乐风格的电影，将曾经风行的爵士文化和爵士钢琴即兴演奏艺术的辉煌时代完美再现，促使人们更加了解爵士乐、喜欢爵士乐。
前苏联作曲家肖斯塔科维奇说：“当文字语言已不能再表达什么时，音乐语言才刚刚开始。”②电影音乐的使用极大地提高了影片的欣赏性、优美性、叙事性、深刻性，使电影更加美轮美奂，更加富有戏剧效果，更加引人入胜、更加深入人心!片中所展示出的主人公对钢琴、对音乐的钟爱，也引起了人们对生命更深的思考，无限的感触!
音乐论文2
摘 要：艺术性的新课导入，对教学效果有直接影响，能激发学生学习的兴趣，迅速集中注意力，明确学习目的，产生直接学习动机，使学生的情感迅速转入教学目标所需要的情境。本文拟就小学音乐课如何导入谈谈自己的浅见。
关键词：小学 音乐 导入
“好的开端是成功的一半”，一堂成功的音乐课与恰当的导入是分不开的。巧妙的导入，如同桥梁，联系着旧课与新课，如同序幕，预示着后面的高潮和结局，有利于调动学生学习的`积极性和注意力，有利于激发学生的求知欲和兴趣，有利于师生双向的教学活动。
一、设疑式导入
“思维是从吃惊开始的。”音乐教师要学会激发学生的思维，要学会打开学生思维的闸门。学生有疑而思，进而有思而学，最终将产生创新的思维火花。例如教学《云》时，我采用启发性的语言提问：“蓝蓝的天上漂浮着朵朵白云，又如大海里飘着无数的帆船。一朵朵的白云成群结队地往前走，他们的白衣裙里都装了些什么？为什么走得这样慢？它们要去干什么呢？”待学生发表各自的意见后，我又说：“小朋友的意见各不相同，白云姐姐的白衣裙到底装了些什么？老师请白云姐姐用歌声来告诉我们。”在这种情况下，教师的讲课会像磁石一样牢牢地吸引学生的注意力。
二、故事式导入
根据课程需要，可运用历史典故、名人轶事、成语故事、童话传说等小故事导入新课。这种方式具有较强的趣味性，容易给学生以启迪，同时又能起到开阔视野、拓宽知识的作用，从而使教师讲课更加生动、形象，学生学习更加轻松增趣、易于接受理解。和歌曲内容相符的一段故事，能引导学生进入生动有趣的意境中，唤起学生的情感，引发学生的思维。如学习《小红帽》一课时，我是这样导入的：“小朋友们，在一个美丽的大森林里，发生了一个有趣的故事，你们想听吗？那咱们就先一起来听故事。”故事听完后：“就在小红帽给外婆送点心的路上，她唱了一首动听的歌。听，她唱着歌向我们走来了。”（听范唱）这样就大大调动了学生学习的积极性。
三、情境式导入
我们可以通过展示情境，结合教材实际，或者通过语言描述或者展示实物，或利用多媒体等创始一个引起学生探索与掌握知识的气氛。如学习《大海的歌》时，在黑板上画上碧波荡漾的大海，贴上海的图片，四周放一些漂亮的贝壳等等，让孩子们听着海浪的声音走入教室，给孩子们一种身临其境的感觉，大大激发了学生的学习兴趣。
四、多媒体导入
运用多媒体技术进行音乐教学，已成为当今现代音乐教师的标志、的确，多媒体画面色彩艳丽，形象逼真，与音响浑然一体，能充分调动学生的视听感觉，使学生耳目一新，获得准确生动的艺术形象。例如：学习《过新年》这首歌，一开始上课便利用多媒体播放各国、各地过新年时人们载歌载舞的热闹场面，不但拓宽了孩子们的视野，还自然地把学生们带入了节日的喜庆气氛中，为更好地学唱歌曲埋下了伏笔。
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学生姓名：
系 别：
音 乐 系
专 业：
音 乐 学
指导教师：
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
《中国教育政策和发展纲要》指出：“当今世界风云变幻，国际竞争日益激烈，科学技术发展迅速，世界范围的经济竞争，综合国力的竞争，实质上是科学技术的竞争。从这个意义上说，谁掌握了21世纪的教育，谁就能在21世界的国际竞争中处于战略地位。”在今天这个异彩纷呈的世界里尽管人们交流的方式多种多样，但舞蹈仍以其独特的美的表现传达着人类共同的享受，共同追求的情感。它为我们展现的人类心灵深处的情感不仅为特定民族所接受，而且也引起全人类心的共鸣。随着改革开放的进一步发展，我国与外部世界的文化交流日益频繁，学生可以通地艺术这一窗口领略到世界各国的文化，共同体验对人类的热爱，对美好生活的向往，对真善美的渴求和人生的珍重。学生感受到自身的情感的波动和他人情感的交流，形成以审美的态度对于自己和他人，以审美的态度对于社会和生活，从而有利于增加人与人之间的了解，互动和团结，增强学生的集体意识和团队精神，自信心和自豪感，提高学生的人文素养，激发学生对生活的热爱以及对美好未来的不懈追求。
长期以来，我国舞蹈教育的价值曾被人们所低估，许多人认为，舞蹈能力的培养只对少数将来要专门从事舞蹈工作的`人是必需的，对一般的学生来说只是点缀，中国的小学教育一直到大学教育从来没把舞蹈课列入课程中，只有少数条件较好的学校在课外活动中加入一些舞蹈活动内容。面向21世纪的时常经济和技术革命的挑战，学校不但要重视素质教育，更要从学校的教学内容的课程体系，以及观念上加以改革，让舞蹈教育彻底溶入心理素质教育中，且充分发挥它的积极作用。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
基本内容：
1、舞蹈、心理素质的含义。
2、舞蹈教育对中小学生的作用。
拟解决的主要问题：
1、目前中小学生在心理素质方面存在的问题。
2、如何通过舞蹈教育培养中小学生的心理素质。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
1、网上、图书馆搜集相关资料；
2、请教指导老师陈文红副教授，确定选题方向；
3、与同学共同讨论本课题，互相交流意见；
4、写好开题报告；
5、根据已选题目进一步搜集资料，并拟好论文提纲；
6、论文写作；
7、论文修改并定稿。
进度安排：
1、依据论文参考选题，作好论文先期搜集工作；
2、选题，写开题报告；
3、开题报告定稿，接受毕业论文任务书；
4、论文写作阶段完成初稿并接受论文中期检查；
5、修改论文阶段；
6、论文答辩。
四、主要参考文献：
[1] 王国宾，平心，矫立森．关于舞蹈美育与素质教育的研究[C]．上海：上海音乐出版社，20xx.352-375.
[2] 朱培科，马柯．培养学生创造意识的必要[J]．舞蹈，20xx，（3）：48-49．
[3] 探索舞蹈艺术教育对少儿素质教育的作用[EB/OL]．
,20xx-03-22 .
[4] 浅谈儿童舞蹈教学中的素质教育 [EB/OL]．
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[5] 安洁.素质教育在高师音乐教育中的作用[J].音乐天地，20xx，05.7-9.
[6] 杨仲华，温立伟.舞蹈艺术教育[C].人民出版社，20xx.293-294.
[7] 隆荫培，徐尔充. 舞蹈艺术概论[C].上海音乐出版社.20xx-03.
[8] 刘沛译.美国艺术教育国家标准[J].舞蹈，20xx，（4）：36.
[9] 武霞.浅谈如何在舞蹈教学中培养学生的能力[D].20xx.
[10] GB/T 7-303-06069-3,教育心理学考试大纲[S].
五、指导教师意见：
签名：
六、教研室意见：
签名：
注：此表由学生本人填写，一式三份，一份留系里存档，指导教师和学生本人各保存一份。
音乐论文4
一、音乐教学的意义
高中阶段，学生往往忙于自己的学业而无暇顾及自身多方面综合素质的培养，音乐作为富有情感的艺术，在培养学生审美能力以及艺术思维方面具有重要作用。高中开展音乐教学非常重要：
第一，音乐教学能够发散学生思维，培养学生的想象力，激发其对美好生活的向往，进而激发其学习积极性；
第二，音乐教学可以提升学生智力，从而为其攻克理论课难题打下基础。通过对相关研究分析发现，进行音乐学习能够充分发挥大脑皮层分析机制的作用，对这些结构组织的依赖能够使学生的智力水平有良好的提升；
第三，音乐教学具有德育价值。音乐教学可以为德育培养良好的情感基础，在实现其思想教育作用时，其是以优美动听的旋律为德育载体，有利于学生接受。
二、高中音乐德育教育存在的问题及实施必要性
（一）高中音乐教学中存在德育功能退化问题。现如今，在我国很多高中的教学体系中，音乐教学所占份额并不大，这也使得其中德育功能退化较为明显，这一问题主要体现在以下两个方面。一方面，处于高中阶段的学生学习压力较大，由于处于高考巨大压力的情况下，一些高中不得不将理论课放置在教学重点上，而对音乐这类素质教育课程并没有给予多大重视，甚至一些领导没有认识到音乐教学对学生道德素质的培养具有多大的作用。在这种背景下，高中学生也难免对音乐课程抱有不重视的态度，忽视了对学习能力之外的道德意识以及素质水平的提升，这对其各方面成长都没有多少帮助。另一方面，对于音乐教师来说，很多教师在日常备课过程中没有对音乐的德育功能进行深入研究，这使得其在音乐教学过程中没有活跃好音乐课堂整体气氛，不能有效调动学生对音乐学习的积极性，学生综合素质不能得到有效提升。
（二）高中音乐教学渗透德育的必要性。对于高中阶段的音乐教学而言，其根本目的就是为了让学生了解音乐基本理论，熟练掌握音乐基本技能，提升音乐审美意识，培养创造力以及想象力，进而为学生日后发展做良好铺垫。除此之外，音乐教学还发挥着德育功能，能够让学生通过对音乐的欣赏来主动吸取其中的道德素养。与普通说教教育不同的是，音乐教学能够让学生自愿领悟德育内容，用旋律向高中生诉说的德育内容，满足学生内心的情绪需求，对于青少年的心灵成长有很大的帮助。
三、高中音乐教学中渗透德育的重要途径
（一）将德育渗透在音乐鉴赏课中。每一项音乐艺术都不是凭空出现的，而是与作品的历史背景、地域文化、时代色彩紧密相连的。在开展音乐鉴赏课时，教师可以借助多媒体设备进行教学，将音乐信息以多样化形式呈现在学生面前，从而实现德育渗透。教师可以以“听讲结合”的方式将学生与音乐作品有效结合，从而激发学生的学习积极性，让德育教育更好地渗透到学生的内心，培养学生的高尚品格。例如，开展《松花江上》音乐鉴赏课时，教师可以对学生进行提问：你认为成长中最悲伤的事情是什么？学生纷纷响应，“写作业”“考试”等字眼层出不穷。这时，教师可以引入主体，为学生深入分析“悲伤”一词：“我认为成长中最悲伤的事莫过于家乡陷落，流落街头；眼见亲人被伤害，自己却无能为力。”紧接着，教师可以用凝重的语气讲述：“1931年9月18日，那是一个黑色的日子，中华人民永远不能难忘的日子。”与此同时，多媒体屏幕上紧接着刷出“九一八事变”几个大字。随之而来的便是一首首悲伤的音乐以及人们颠沛流离的画面。画面在教师凝重的语气中缓缓播放，有些学生留下了泪水；有些学生哭红了眼眶；有些学生。握紧拳头；有些学生脸色沉重。这些画面在悲伤音乐的烘托下，深深烙印在了学生的心底，爱国主义教育也随之渗透进来。（二）将德育渗透在音乐知识和技能教学中音乐知识也是高中音乐教学中的重点，其在音乐教学中所占用课时较多，所以，高中音乐教师应将德育渗透到音乐知识以及技能的运用中来。例如，通常情况下，高中每年都会举办自己学校的艺术节，班级之间也会开展大合唱比赛，但是，在学生进行合唱训练的过程中，容易出现很多问题，其中最明显的问题就是抢拍子以及不敢开口的问题。针对前者而言，音乐教师要在音乐知识教学中深入讲解音乐指挥的作用，让学生熟悉歌曲节奏，并跟上指挥的节奏。在这一教学过程中，教师应该将德育渗透进来，潜移默化地培养学生的团结协作精神，让学生明白必须为了集体的`利益而不懈努力。而针对后者来说，有些学生由于性格原因，不敢尝试大声开口唱歌。音乐教师并不能因为学生不敢唱、唱不好而批评学生，甚至是令学生退出团队，这样不仅不利于德育的渗透，更会打击学生的自信心。教师应该与这些学生进行面对面交流，向其灌输正能量，让学生更好地认识自我，去追求更好的自我。
（三）将德育渗透在音乐活动中。开展音乐活动也是渗透德育的有效途径之一。例如，教师在教学蒙古族音乐的过程中可以开展蒙古族舞蹈《鸿雁》学习活动，首先为学生讲述蒙古族风土人情，为学生示范舞蹈动作并分解，然后再练习舞蹈，让学生亲身体验蒙古族舞蹈所塑造的音乐形象，在表演舞蹈的同时培养学生高尚的情操和道德。另外，在开展乐器小组活动时，由于小组之间学生对音乐内涵的理解以及音乐技巧各不相同，使得弹奏出来的音乐显得并不完美。例如，在《黄河》演奏活动中，教师应该对音乐作品的创作背景进行讲述，描绘出祖国的壮丽河山，真实地再现中华民族的不屈精神，让学生感受作品的内涵，再酝酿用何种情感来诠释作品。这样既对学生进行德育教育又让学生加深对作品的把握，用这样的情绪演奏作品会更有感染力，更能完美地表现作品，这样在活动中既渗透了德育，又让学生能更好地表现作品。
四、结语
综上所述，德育是促进学生综合素质全面发展的重要手段，也是提升音乐教学质量的关键途径，将德育渗透到高中音乐教学中能够培养学生高尚的品质和情操。所以，高中音乐教师应当创新音乐教学手段，不断摸索德育渗透途径，从音乐鉴赏、音乐技能运用、第二课堂活动等多方面渗透德育教育，以此来培养学生优秀的品质，实现德育渗透这一教学目标，进而推动我国高中音乐教育快速发展。
参考文献：
[1]许昱.将德育融入高中音乐鉴赏教学中的方法探析[J].教育观察,20xx,6(12):18-19.
[2]陈永全.高中音乐教育的德育功能及其实现路径[J].读与写(教育教学刊),20xx,(12):97.
[3]关玲.在高中音乐教学中如何融入德育教育[J].才智,20xx,(31):104.
[4]郑娟.高中音乐课程教学浅谈[J].中华少年,20xx,(27):215.
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1前言
情感体验的美学观要求音乐教学中应注重培养学生的音乐审美意识和音乐情感意识。音乐在强调主观情感表现的过程中注重音乐的审美意识，是以音乐感知，情感体验以及审美评价为基本环节的思想意识活动。音乐情感体验可以理解为对音乐美的品味的体验，这种体验是从音乐内涵与情感表现的感受与理解中获得感知，强调从(如旋律的起伏、节奏的律动、力度、音色、结构的布局的变化等从而进一步获得音乐的审美体验，音乐的美是在音乐的形式和内涵的完美结合与高度统一中得到升华，从中体现出美的品味，由此产生特殊的审美喜悦(即美感)，获得真正的音乐审美体验。
2西方音乐情感
亚里士多德在他的《修饰学》中提出如何爱恨、悲喜等人类抽象、理性化的情感，因此巴洛克作曲家也想用音乐来抓住或唤起歌词中所表达的情感。例如:愤怒、激动、欢喜、忧伤等等这种情感的表达是人的一种基本感情，是一种理性的、不连贯的、相对静止的情感;而在声乐作品中这种情感与歌词内容息息相关，作曲家为了使作品风格统一，通常在一首作品或一个乐章中只采用一种基本的情感，从而达到音乐语言情感表达的统一。当时的人们相信音乐的情感力量，认为每种音乐的要素如:和声、调式、节奏、节拍、速度等等诸多音乐语汇都具有一种情感性，一串快速的音阶、一段委婉又细腻的旋律或某种旋律、和声、节奏等复杂的织体结合，都可以用来象征某种情感或歌词的内涵，表达深刻的寓意。
西方音乐发展到浪漫主义时期时音乐开始强调对主观情感、尤其是爱情这个最具有个性化情感的主题表述，表述中偏重于人物内心变化的抒情性。如:被誉为“歌曲之王”的奥地利作曲家舒柏特，他所创作的600余首艺术歌曲中，歌词大多选自歌德、席勒、海涅等诗人的作品，创作中舒柏特用最小的歌曲形式抒发出了丰富而深沉的情感体验，歌曲旋律简单朴素，和声具有激情而细腻的表现力，旋律散发着亲切单纯敏感的气息。
最具有典型浪漫主义精神的作曲家舒曼，其在创作思想中始终强调音乐情感表现，舒曼通过特性的旋律、多变的节奏、错综复杂的和声织体等精微的笔法表述内心细腻的情感和幻想的特征，他提供给歌者的旋律像是诗句的吟诵，乐句结构多变;他的艺术歌曲简洁、意境深邃，通过细腻的音色变化表述激情、衬托意境。整个创作过程注重文学色彩和心理刻画，注重情感的表达，用文字或用音乐作品来表述自己的观念和体验。
曾被誉为著名钢琴诗人的波兰作曲家肖邦，其一生中在钢琴艺术史上做出了巨大的贡献，但是肖邦的贡献却远远超过钢琴音乐本身的范围，首先是他的典型的浪漫主义音乐语言的创造者之一，他的和声语言为19世纪下半叶的音乐创作开辟了新的道路，对于新的音响色彩的探索为后继者展现了新的天地。肖邦的钢琴音乐旋律气息宽广、优美如歌，特别是具有丰富思想内涵和崇高意境的夜曲，其成熟期的夜曲大多表达他的.内心孤独、犹豫、伤感的一面，也有明朗诗意柔情梦幻及激昂悲愤情绪表达的一面。
被誉为“圆舞曲之王”的奥地利作曲家小约翰·施特劳斯，其创作的音乐格调轻松，内容多以民间音乐血肉相连，作品《蓝色的多瑙河》主题发展及和声配置、调性转换、配器色彩及乐曲的结构等方面都有很大的造诣，乐曲由引子、五个圆舞曲、及尾声构成;序曲开始小提琴在A大调奏出徐缓的震音，好像是多瑙河晨曦的水波荡漾的意味，大自然揉眼苏醒，在此意境上圆号奏出了另一重要动机象征着黎明的到来;第二圆舞曲在D大调上出现巧妙的变化，描写了阿尔卑斯山下的姑娘们穿着舞裙在欢快的跳舞，通过色彩的变化促使音乐格外动人;第四圆舞曲节奏自由运用琶音上行的旋律使音乐仿佛春意然;第五圆舞曲音乐发展旋律起伏使人联想到多瑙河无忧无虑动荡的情景，最后全曲在欢快的乐声中结束。
3结语
由此可见，音乐语言是情感的语言，音乐语言通过不同的表达方式把内容及情感描绘得淋漓尽致，体会心灵的实质。李斯特曾在《体味音乐与情感》中认为，感情在音乐中独立存在即不借助比喻的外套，也不依靠情节思想的媒介，而是不通过任何媒介的坦率的、极其完整的倾诉。我们在听音乐会时奔放激越的音乐会激发起人们昂扬奋发的情感，舒缓轻柔的音乐会激发人们朦胧的情感，在这种种不同的音乐气氛中，人们的情感随着音乐而起伏而升华，延伸，凝结成真诚的心灵感悟。
音乐是听觉艺术，也是表现情感的艺术，从美学的角度抓住音乐表现内容中的最主要、最核心的东西;情感是对人喜怒哀乐等心理活动的描述，是人对客观事物的态度的一种反映，它的内涵美是在于把人的心灵的美的集中表现中显示出来。我们现实生活中，惬意时用音乐来助兴，抑郁时用音乐来释怀，音乐就像我们情感的花园，情感因音乐的存在而丰富多彩，音乐的殿堂因情感而跌宕起伏，音乐为我们的情感世界增添了许多绚丽的色彩。
音乐论文6
摘要：音乐学院学生的思想政治教育至关重要，是一项长期而复杂的工作，是培养优秀人才的前提条件。但当前，音乐学院学生的思想政治教育效果较差，存在较多的问题，现状不容乐观，通过现状分析找出问题关键，提出有效的解决措施至关重要。因此，本文主要对学生思想政治教育现状展开研究。
关键词：音乐学院；思想政治教育；现状；研究
0前言
社会在不断进步发展，学生的接受能力、个性发展都出现了较大的转变。而学生个性鲜明，自我意识较强，为高校的思想政治教育增添了难度，致使多数高校的思想政治教育现状都不容乐观。因此，以音乐学院为例，研究学生的思想政治教育现状具有重要的意义，有助于解决思想政治教育中存在的问题，提高思想政治教育质量。
1学生特点研究
1.1文化素质普遍较低
音乐学院的学生属于艺术类学生。艺术类学生在招生时主要注重学生的技艺，如歌唱水平，乐器演奏能力等内容，对学生的文化素质要求较低，学生在高考时的文化课分数在300分左右就符合学校的招生标准。因而，学生的文化素质普遍较低是音乐学院学生的显著特点。音乐学院学生文化素质较低的原因主要有两点：一学生的文化课要求低。学生对文化课的重视度不够，导致学生出现主要重视专业知识以及专业技能的学习与训练等问题，降低了学生的文化素质。［1］二音乐专业的特点影响了学生文化素质的提升。音乐学院的学生需要参加较多的课外实践活动，锻炼学生的专业技能以及舞台表现力，学生的课余时间有限，缺少多余的时间进行文化课的学习，影响了学生的文化素质水平，制约了学生全面健康的发展。因此，学生文化素质普遍较低是音乐学院学生普遍存在的问题，是阻碍音乐学院学生思想政治教育开展的因素之一。
1.2个性鲜明
个性鲜明是音乐学院学生普遍具有的特点。音乐学院的学生不仅具有专业特长，想象力丰富，思想较为活跃的特点，还具有较强的接受能力与较高的审美水平，致使音乐学院学生个性较为鲜明，自我意识较强。学生具有鲜明的个性，对学生而言有利有弊。其优势表现为以下几点：学生对社会话题较为敏感，创造力较强，想象力较为丰富，音乐表现力强，音乐作品具有感染力。但其弊端也同样不容忽视，学生的自我意识较强，集体意识淡薄，办事随性，人际交往能力与合作能力都较弱。
1.3价值取向较高
受当前社会的影响，各种选秀节目层出不穷，爱音乐、懂音乐，具备专业能力的人都能够成为明星，不再平凡，使音乐学院的学生对于选秀、成名特别热衷，过于追求物质，缺乏现实的理想以及人生信念，价值观普遍较高，不切实际。［2］音乐学院价值观普遍较高的表现主要为以下几点：一学生的理想不切实际，过分追求物质享受；二学生在业余时间闲暇生活时，主要以消费性，娱乐性的项目为主，在娱乐活动的侵蚀下有迷失自己的趋势。由此可见，价值观普遍较高，不切实际是音乐学院学生存在的问题之一。针对这一情况，加强正确的价值观教育至关重要，是音乐学院实施思想政治教育的重要内容。
2音乐学院学生思想政治教育现状
研究音乐学院学生思想政治教育的现状不容乐观。学生、校领导对思想政治教育的重视性不够，教育方法又较为传统单一，音乐学院思想政治教育的效果较差，学生存在的问题得不到有效的改善。下面就从以下几个方面对音乐学院学生思想政治教育的现状进行分析，为提出有效的发展策略提供条件。
2.1教育方法传统单一
教育方法传统单一是音乐学院学生思想政治教育存在的主要问题。音乐学院的学生个性鲜明，价值取向偏高，传统单音乐学院学生思想政治教育的现状研究郝刚（沈阳音乐学院，辽宁沈阳110168）一说教式的思想政治教育方法不仅起不到教育效果，还会使学生产生厌烦心理，影响学生的情绪，甚至引发学生的叛逆心理，产生更恶劣的问题。因此，传统单一的教育方法严重影响了学生的思想政治教育效果。［3］传统单一的思想政治方式主要包括以下几种，都是以教师枯燥的讲授为主要教育方法，
一在学生犯错误之后，教师针对学生所犯的错误进行批评教育，并延伸为学生思想政治教育以及道德教育。此种教育方式会使学生产生厌烦情绪，引发学生的逆反心理，影响思想政治教育效果。
二针对学校中出现的典型事件进行思想政治教育。学校的学生众多，会发生各种各样的问题，针对学生出现的问题进行全面的思想政治教育是较为普遍的一种教育方式，但教育效果不佳，学生听过之后并不会放在心上，无法达到实施思想政治教育的目的。由此可见，教育方法传统单一是音乐学院思想政治教育效果不佳的主要问题之一。
2.2学院领导不重视思想政治教育的重要性
现阶段，高校不断扩招，生源愈加紧张，各高校都尽全力抢夺生源，以达到促进本校发展进步的目的。因而，学校领导将大部分时间应用到教学建设，创新学校品牌，培养专业人才，扩大招生等方面，为学校建设，提高学校的竞争力贡献力量，却忽视了学生思想政治教育的重要性。然而，在思想政治教育方面，工作不够到位，重视性不够会严重影响音乐学院的思想政治教育效果。首先，学院领导不重视思想政治教育的重要性，会导致学校的学生、教师也忽视思想政治教育，较少组织与思想政治教育有关的活动，忽视学生思想政治教育。其次，学校领导不重视思想政治教育的重要性，会在思想政治教育工作的落实方面存在疏漏，影响思想政治教育的效果。
2.3学生忽视思想政治教育的重要性
学生忽视思想政治教育的重要性是当前音乐学院学生思想政治教育存在的`主要问题，有效实施思想政治教育的前提，就是学生需要具有主观接受性，认识到思想政治教育的重要性，乐于接受，努力思考，积极转变。学生只有虚心接受，思想政治教育才能产生较好的思想政治教育效果。因此，加强学生对思想政治教育的重视度十分重要，具有重要的作用。
3音乐学院学生思想政治教育的发展策略
通过以上的分析了解到，当前音乐学院学生思想政治教育工作中存在一些不足之处，影响学生的思想政治水平。因此，必须从对其采取针对性的策略，具体如下：
3.1改进教育方法
改进教育方法是解决教育方法单一传统的有效方法，是产生较好思想政治教育效果的有效手段，改进教育方法具有重要的作用。教育方法传统，会导致学生厌烦情绪严重，思想政治教育效果不佳等问题。改进教育方法能够在潜移默化中实现思想政治教育，产生较好的思想政治教育效果。改进教育方法需要做到以下几点：一在日常生活中渗透思想政治教育。音乐专业学生具有鲜明的个性特点，单纯地采用严加管教的管理方式，不仅无法产生较好的教学效果，还会引起学生的反感。因而，给予学生一定的空间，在日常生活中渗透思想政治教育十分重要，能够产生较好的思想政治教育效果，提高思想政治教育的质量。［4］二在思想政治教育过程中重视学生的反应，因材施教。学生的性格、个性不同，在实施思想政治教育时，应具体问题具体分析，针对学生的个性特点，实施具有针对性的教育手段。例如，针对性格内向的学生，需要采用特别柔和的方式，性格内向的学生普遍有些敏感，对教师的话较为看中，并容易胡思乱想。针对此类学生，需要点到为止，给予关心与理解，从而产生较好的思想政治教育效果。针对性格外向的学生，需要以朋友的身份实施思想政治教育，多给予一些耐心与爱心，以达到提高思想政治教育效果的目的。三换位思考。换位思考是一种有效的思想政治教育方法，教师从学生的角度实施思想政治教育，能够给予学生亲切感，使学生更容易接受思想政治教育，并产生较好的思想政治教育效果。由此可见，改进教育方法十分重要，具有较好的效果。
3.2将专业教育与思想教育相结合
专业教育与思想教育相结合是一种有效的教育手段，通过专业教育与思想教育相结合，能够在提升学生专业技能的基础上提升学生的文化素质。因此，将专业教育与思想教育相结合，实施思想政治教育具有重要的作用。加强专业教育与思想政治教育需要做到以下几点：一在专业知识教学过程中渗透思想政治教育，提高思想政治教育的效果。二明确教师责任分工。专业课教师也需要对音乐学院的学生实施思想政治教育，提高学生的专业技能，产生较好的思想政治教育效果。由此可见，将专业教育与思想教育相结合具有重要的作用。
3.3加大思想教育宣传力度
加大思想教育宣传力度是加强学院领导、教师以及学生对思想政治教育重视程度的主要措施，通过加大宣传，能够使学院领导、教师以及学生意识到政治教育的重要性，努力做好政治教育工作，提高思想政治教育质量。加大思想政治教育宣传力度，需要做到以下几点：
一开展相关思想政治教育重要性研究的知识讲座。对学院领导、教师以及学生进行培训教育，详细阐述思想政治教育的必要性以及重要性，加强学院领导对思想政治教育重要性的认识，从而提高思想政治教育质量。
二组织与思想政治教育有关的活动。组织思想教育活动能够提高学生的兴趣，使学生能够积极参与到活动之中，在活动中学习，主动接受思想政治教育，产生较好的思想政治教育效果。［5］
三组织辩论赛开展思想政治教育。大学期间，学生的课外活动较多，以辩论赛的形式实施思想政治教育，能够使学生提前做好充分的准备，意识到思想政治教育的重要性，并且以学生的角度辩论讲解，学生容易接受，思想政治教育效果较好。因此，加大思想政治教育宣传力度，能够产生较好的思想政治教育效果。
4结语
研究音乐学院思想政治教育的现状，不仅能够了解思想政治教育中存在的问题，还能够提出有效的解决措施，提高思想政治教育效果，具有重要的作用。通过加大宣传力度，改进思想政治教育方法，与专业教育相结合等方式，能够产生较好的思想政治教育效果，提升学生的综合素质，培养出全面发展的高素质人才。
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音乐论文7
内容摘要：本文主要阐述了小提琴学习中音乐听觉训练的重要性、音乐听觉训练的特点及音乐听觉训练的要素（旋律、音准、发音）等几项问题。通过对这些问题的分析，归纳出一些对提高学生音乐听觉水平行之有效的方法，进而达到提高小提琴演奏水平的目的。
关键词：音乐听觉 旋律 音准 发音
音乐是听觉的艺术，它是用声音塑造音乐形象，通过人们听觉的感知，作用于人的思想情感，使人获得美的享受。马克思曾说过：“对于没有音乐感的耳朵来说，最美的音乐也毫无意义……” 无论演奏者还是听众都需要通过听觉来欣赏音乐，鉴别其艺术效果的优劣。可是笔者在几年的小提琴教学中却发现许多学生对自己的演奏充耳不闻，对乐谱的要求视而不见。所以在小提琴学习中，应重视音乐听觉的训练。
一、音乐听觉训练的重要性
大凡优秀的音乐家都具有敏锐的听觉能力，他们在有意或无意聆听的状态下，其神经听觉器官和分析器官都保持着高度的职业敏感性，这种敏感的听觉不是天生的，而是长期训练的结果。所以，对于学习小提琴的人来说，训练出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐的耳朵是至关重要的，因为小提琴作品中，那充满了人性生命韵律的节奏，那微妙细腻的难以言传的“意境”所造就的艺术境界，都不是仅仅靠演奏时盲目的本能冲动就能愉快胜任的，而是在审美听觉的控制下才能做到。所以，小提琴演奏者必须具备敏锐的听觉能力，使之能胜任小提琴音乐的演奏要求。演奏时必须用听觉去判断演奏是否达到满意的艺术效果——音的准确性、发音的科学化、力度的层次、节奏的脉搏、乐句的均匀、旋律的流畅、风格的准确、形象的完整等。总之，敏锐的听觉能力对于学习小提琴演奏的人来说是十分重要的。
二、音乐听觉训练的特点
许多学生演奏时思路混乱不清，除手指基本功的原因外，多数是因为听觉的原因造成的。这些学生只是被动机械、无目的地在听，对自己演奏音乐作品时的音响，只有一种模糊的印象，听觉是混乱的，而且不知该如何听。所以，小提琴学习中音乐听觉的训练就是：学生必须在敏捷的思维下，按音乐进行的规律将无意识、混乱的听觉调整为清晰、有目的的听觉。这种训练能够促使学生从特定意义出发进行学习，充分调动自己的听觉器官，培养发挥自己的听觉能力。
小提琴学习中的音乐听觉训练，不是单纯的音的高低听辨，也不是仅仅用耳朵去听。“听”是心理在声音上的运用，而耳朵只是身体的器官，具有一种听觉机能，一般情况下听觉机能所起的只是消极作用，这可能听见也可能听不见。比如，在教学上，若学生不能专心地倾听自己演奏的声音，可以试着让他们侧耳、闭目、把头贴在琴上，效果特别显著，这是因为他们的全部注意力都集中在听力上了。所以“听”是耳朵的功能，而凝神细听则是一种心理功能，小提琴学习中的音乐听觉训练就包含了这种心理功能训练，是学生集中于大脑的听觉训练。教师的任务就是不断地向学生发出信号，让学生注意听，并告诉他们所要听的内容和如何去听，引导学生掌握音乐中的各种因素，让学生时刻保持听觉的警觉性，在清晰的思维控制下，有目的地进行。
三、音乐听觉训练的要素
1.旋律听觉
音乐作品中，旋律是核心。旋律本身有两个要素，即音高和节奏。人在对旋律的感知中是依靠自己的听觉经验，逐步形成了人对音乐中音的高低与长短的组合能力，这使音高与节奏成为不可分割的整体。“节奏的弹性是与旋律的弹性携手并进的，也就是说，节奏随着跳进和级进的变化也有灵活的变化，而且长的音值原则上适合于跳进运动，短的音值适合于级进运动。”[1]这种音高与长短的结合形成了人在对旋律感知中的听觉习惯，而产生了丰富多彩的`旋律形态。也就是说，人并不是对逐个音的音高孤立地进行感知。音的长短、级进和跳进等旋律进行规律，音高与节奏的不同组合，以一个整体而作用于人的听觉，在感知记忆中是以一个相对的整体来记忆并积累。所以小提琴演奏者在演奏旋律时，一定要在理解的基础上，在听觉的控制下进行。
（1） 注意听完整的旋律线条。首先必须准确地划分旋律的句读，演奏时要细心地听旋律的每一个音，听各旋律声之间的衔接，使其语气表达完整。
（2） 注意听流畅的旋律线条。在听到完整旋律线条的基础上，演奏时要时刻注意倾听旋律线条的流畅性。特别是当旋律的某种特点的技巧出现时，由于技巧的难度而影响旋律进行的流畅。如：我们在聆听许多著名的小提琴协奏曲时，可以发现在这些作品中几乎都有集中全曲主要的音乐素材而发挥高难度演奏技法的华彩乐段，大部分人在演奏华彩乐段时常常会不流畅。练习时学生首先要克服技术上的难点，然后还要注意旋律进行时的方向点，演奏时要有倾向性地走向这个点。
（3） 注意听旋律的表情。在演奏时，要细心倾听旋律的表情，首先要把握住旋律的风格，领会旋律的语气韵味，在此基础上，演奏旋律时的力度变化、音色变化、轻重缓急、起伏跌宕，都必须用听觉仔细检验。
2.音准听觉
小提琴作品中除了旋律外，还要注意音准听觉的训练，音准是弦乐器专业最基本的要求，同时也是小提琴最难掌握的技术。良好的音准主要是建立在由耳朵指导的触指感觉上的。实际上就是要求演奏者在脑子里首先要有一种固定的音高概念，也就是预先听觉。具有这种预先听觉的演奏者绝大多数是需要通过后天的训练而形成的。同时，演奏者天生的音准素质也是很重要的，因为很难指望一个五音不全、毫无音高概念的人会有音乐发展。当我们的耳朵具备了控制音准的能力，然后我们通过各种练习，将视觉、听觉、触觉加以结合，并通过长期严格的磨炼，最终达到把握音准。可以说养成这种随时听辨音准的好习惯是十分重要的，也是必需的。具备了这种对音准的敏锐性，将大大提高演奏者的演奏水准。在训练音准时，可注意以下几点：
（1） 手的框架。左手的框架是手指的基本位置，也就是在任何琴弦，任何把位的1、4指的八度音程。在这个八度框架之内，2指和3指各有两个位置，在手指所到的任何把位，无论是哪个位置都应当将框架的感觉记住。值得一提的是，这种八度框架的位置形状保持到第六七把位后，在更高把位时由于弦短了，音准的距离位置也逐渐变得密集了，手的框架才有所改变。此时，也就是在第八把位时，手框架的距离是第一把位时的一半。
（2） 左手的换把。左手的换(转第87页）(接第81页）把是小提琴技术的重要环节。“换把的过程为——手在指板上的触觉以及拇指的作用，听觉在换把中的作用，这三者的结合是给手指以正确的音准距离感的关键。”[2]听觉在换把中的作用是十分重要的。我们要尽一切可能培养自己听的习惯。当演奏中出现任何不需要的音准效果时，要不断训练自己的肌肉有调解的功能，而具备这种功能的首要条件就是要有听的辨别能力。在换把前认真地听，以及在换把位的过程中，听着声音逐步达到新的音高。耳朵就能非常有效地增加和维持触觉所提供的距离感。
（3） 音阶的训练。著名小提琴大师席盖提说：“音阶是小提琴演奏中一个永恒的基础部分，无论是过去还是现在，它的练习价值是不变的。”作为小提琴学习最重要的基本功——音阶的练习是每一个学生不可缺少的学习内容。卡尔·弗莱什说：“在音阶练习的过程中，音准和流畅性同样重要。在一定程度的范围内进行慢速度练习，取得完美音准的条件下再逐级加速。”[3]在慢速度练习时应注意听每一个音的音准，要对不准的音符提前进行必要的调整。因此对指板的熟悉，对音与音之间距离的准确测定，都需要通过音阶练习来达到要求。
3.发音听觉
学生在学习小提琴演奏时还必须训练发音听觉。因为发音问题不是一个单一性的问题，是一个综合了各种动作、技术、技巧、基本功、听觉审美观、艺术情趣为一体的极复杂的问题。因此用听觉来检验发音的好坏，质量的高低，是最客观的方法。要听发音、听力、听振动、听音质、听音色、听音乐的感觉。发音的技巧是整个小提琴演奏中最有价值的一部分，纯净的发音是情感最有效的阐释者。然而发音与小提琴的其他技巧一样，只不过是一种表现手段，任何一种技巧只有和音乐表现结合在一起，才能表达音乐的真正含义，才能与听众产生共鸣，才能有最精彩、最出色的演奏。因此学生在练习时，不能对音质的好坏无动于衷，应该清楚地知道或听到其变化，在听觉的控制下，将最好的发音表现出来。
美妙的音乐会使人感动。只有在敏锐耳朵的监督下才能演奏出美妙之音。学生要有意识地进行音乐听觉训练，要依靠人的主观能动性，建立良好的音乐听觉。人的素质环境、教育只是音乐听觉形成的前提和条件，而积极主动的音乐实践活动才是形成良好音乐听觉的关键所在。因此，对于从事音乐专业的人来说，更应该积极地培养自己的音乐听觉，不断提高自己的音乐听觉水平。相信通过努力，在科学的训练方法下，每位小提琴学习者都会具备专业演奏家的音乐听觉能力。
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音乐论文8
摘要：高近些年来，素质教育已经成为了教育界的一个重点问题。素质教育被提上了教学的日程。但是在初中的教学中，由于中考升学的压力，老师家长甚至学生都已经将素质教育，全面发展这一教学理念抛到了脑后，全然不重视素质教育。初中生面临着巨大的升学压力，学习方面也偏重于应试型学习。应试教育的教学方式并不适合学生全面发展，也不利于学生素质的培养。20xx年，教育部办公室正式将艺术也归纳于中考考试中，这样做无疑给中考造成了巨大的影响。这个决定也在初中教育中激起了巨大的水花，让众多学校不得不改变以往的教学策略。本文主要讨论了艺术中考对音乐课堂的影响，并对此发表了自己的看法，仅供读者参考。
关键词：艺术中考；音乐课堂；教学影响
教育部发出的文件明确指出，将艺术，包括美术和音乐正式纳入综合素质评价中。在以后的中考中，音乐成绩以及美术成绩也在整体的成绩评价中占有一定的比例。艺术考核的总分为100分。其中，过程性评价占60％，艺术素养现场的直接考核占40％。课程性评价中的60里，其中50分为初中三年接受的课堂学习，10分为参加的艺术实践活动。10分的艺术实践活动包括参加校内艺术社团，观看艺术演出，观看各种展览等等。艺术素养的考核中，试题均为选择题。其中音乐占20分，美术占20分，共计40分。但是艺术素养的现场考核并不直接列入中考总成绩中。虽然如此，但是学生在报考学校时，每个学校都有一个不同的标准来进行招生。这项新的改革举措对音乐课堂的教学产生了一定的影响，学校的音乐课堂教学也因此出现了与以往不同的教学方式。
一、以往初中音乐课堂现状
在初中的教学中，音乐课程常常被当做一门可有可无的课程来进行。因为目前初中生面临着巨大的升学压力，在中考的压力下，学生不得不挤出更多的时间来进行文化课程的学习。在很多学校里，音乐课程被替代，被挤占是常有的现象。初中教学往往注重考试型的教育，也就是说以中考考试的科目为重点进行教学。音乐课程并不是中考考核的课程，所以许多学校对音乐课程的教学并不重视。音乐课程成为了一门可有可无的学科，学生也已经习惯了这种教学模式，对音乐课程的有无也持漠视的态度。有的学生对音乐课程有一定的兴趣，但是在中考的压力下，学生不得不放弃自己的兴趣或者家长老师对学生的这种兴趣进行了打压。这样一来，音乐素养的培养成为了一个难题，学生很难在目前的音乐课程中培养自己的音乐素养，学校也没有给学生创造一个良好的学习音乐的场所。初中教学中，音乐课程的加入主要是为了培养学生的音乐素养，让学生能全方面，多元化的发展。并且初中生日常学习压力比较大，音乐课程的加入也是一种适当的放松。如今社会在发展，时代在进步。“书呆子”型的学生在目前的社会中很难立足。学生的文化成绩固然重要，但是忽略了素质教育往往得不偿失。音乐课程能在各个方面提高学生的艺术素养，让学生能赏析音乐，感受音乐之美，这也是目前素质教育中美育的要求。初中教学中，学校对音乐课程不重视还主要体现在师资力量上。目前，初中学校普遍缺乏音乐老师，这也造成了目前音乐课程不合理的现象。除此之外，有许多学校缺乏具有专业素养的音乐老师，或者音乐老师的教学水平不高。这样，更加加重了音乐课程设置不合理的现象发生。虽然目前初中学校设置了音乐课程，但是真正按照教学大纲进行教学的学校少之又少。在部分初中学校中，音乐老师对音乐课程的教学也不重视，往往以一种比较敷衍的态度来进行教学。甚至有的老师根本不具备专业的音乐知识，只是学校安排的代课老师。这样一来，音乐课程的教学更加没有效果，音乐课程形同虚设。目前初中音乐课程的教学现状并不乐观，许多外界因素制约了音乐课程的进行与发展。学生根本没有适当的时间来进行音乐课程的学习，学校也并不注重音乐课程教学。由此可见，目前初中音乐课程的教学还处于一种不合理，不科学的现状。初中课程中，素质教育和全面发展的教学理念并没有落实。
二、艺术中考对初中音乐课堂的具体影响
中考的改革对初中音乐课程必定会产生比较大的影响，艺术中考这一教育改革对音乐课程的进行起到了一定的促进作用。在进行中考改革后，音乐课程逐渐的被学校重视，并且学生也对音乐课程有了一个全新的学习态度。音乐课程必定会在艺术中考的影响下进行一次重大的改革。在艺术中考改革后，对音乐课程的影响可以从以下几个角度进行分析。
（一）学校转变教学态度，进行课程改革
以往的音乐课程中，学校对于音乐课程并不重视。但是进行中考改革后，音乐成绩成为了中考评价中的一项重要指标。在这种情况下，学校纷纷进行音乐课程的改革，并且加大了对音乐课程教学的重视程度。虽然音乐课程相比于其他课程来说缺乏一定的规律性，但是正是这种艺术性让音乐课程的加入更加有必要。中考改革后，学校意识到了音乐课程的重要性，同时也意识到了素质教育的'重要性。这时，学校就会转变以往的态度，对音乐课程进行一个全新的认识，同时也要进行新一轮的教学改革。教学改革的方面有很多，从课程设置，课时安排，教师安排，考核评价等多个方面都要进行改革。这就要求学校以一种合理科学的方式来对音乐课程进行设置。全新的音乐课程更加合理化，没有了以往的占课，挤课的现象发生。学校对音乐课程也有了一定的重视程度，音乐课程的进行情况也会有所改善。音乐课程的课程改革首先要从重视程度入手，音乐课程不应该以取得分数为目的，应该按照正常的课程大纲来进行，主要在课堂中培养学生的音乐素养。初中音乐课程还需要加入一些实践性的教学，比如组织一些音乐鉴赏的课程，让学生在音乐鉴赏中学习一些音乐知识等。这样一来，音乐课程的实质性就体现出来了，同时也提高了学生的音乐素养。艺术中考的改革让学校对音乐课程更加重视，音乐课程的改革也在艺术中考的影响下快速推进。
（二）学生转变学习态度，重视音乐课程
上文中提到，初中生目前的中考压力比较大，往往只注重于考试科目，对于音乐这种不计入中考成绩的科目并不重视。但是进行艺术中考改革后，学生对音乐课程的态度也会有所改变。艺术中考对学生的学习也有一定的影响，也会让学生对音乐课程提起一定的重视程度。以往学生对音乐课程持漠视态度，就算有的学生喜欢音乐课程，但是学校以及老师等外界因素也会打压学生的积极性。进行艺术中考改革之后，学生会对音乐课程有一个全新的认识。音乐课程并不是一门可以随意被替代的课程，适当的美育素养是要通过音乐课程来实现的。艺术中考也可以说对学生敲响了警钟，学生可以意识到当今社会需要的是发展性的人才，并不是只会考试的学习机器。这时学生会意识到全面发展的重要性，自然对全面素质的发展有所重视。这时的音乐课程就具有了一定的实际意义，学生也能在课程中发挥主观能动性，提高自身的学习积极性。艺术中考对学生来说是一个考验，也是让学生重新认识音乐课程的一个契机。在艺术中考的影响下，音乐课程成为了一门必修课程，学生对音乐课程也将提起一定的重视。由此可见，艺术中考对学生的态度方面也有一定的影响。这种影响是深入的，学生对音乐课程的态度进行转变以后，自然会对音乐课程有一个全新的认识。这样一来，音乐课程的重视程度也会被提高，学生在进行音乐课程是也会更加积极主动。
（三）音乐课程设置更加合理化
目前的音乐课程的课程设置并不合理，这主要体现在音乐课程占有的比例少，随意性强等。艺术中考改革后，音乐课程的课程设置将会更加的规范化合理化。音乐课程的设置也将会严格的按照教学大纲来进行。并且，学校也将设置全新的音乐课程考试大纲，让音乐课程的考核更加科学化，正规化。音乐课程的设置合理化之后，音乐课程就能以一种更加正规的方式来进行。以往的懒散，随意性的状态将有所改观，音乐课程将会有更多的活力。并且音乐课程的比重也会有所增加，占课，挤课这种情况也会有所改观。音乐课程被给予了更多的关注，同样课程的设置情况也将被当做一个重点问题。艺术中考对音乐课程的设置有着重要影响，让音乐课程的设置更加合理科学，同时也提高了学校对音乐课程设置的重视程度。
（四）音乐老师的需求增加，老师素养有所提升
进行艺术中考改革之后，音乐课程的教学更加严谨规范，这时对老师的要求也会有所提高。以往的音乐教师中专业教学水平参差不齐，具有专业音乐素养的老师不多。学校普遍的缺少音乐教师，对音乐教师的要求也比较低。但是进行艺术中考改革之后，这种现状将会有所改变。学校会加强音乐老师队伍的建设。为了更好的进行音乐课程，学校将会引进具有专业素养的老师进行教学工作，同时会对在职的音乐教师进行一定的考核或者培养工作。强有力的师资力量才能保证课程的合理性，这样才能更好的对学生进行音乐课程的教学工作，让学生接受更好的音乐教学。对老师的严格要求也是对课程的一种促进，师资队伍对音乐课程的进行起着决定性的作用。初中生普遍不具备音乐素养，对音乐的认识也比较模糊。通过专业老师的指导，学生才能真正的建立起一定的音乐素养，从而得到全面的发展。师资的建设是进行音乐课程改革以后的必经之路，学校会通过对教师的培养与要求来进行加强音乐课程的建设工作。由此可见，艺术中考对教师提出了更加严格的要求，音乐课程也在教师的影响下变得越来越专业化，合理化。
三、艺术中考对音乐课程的负面影响
艺术中考对音乐课程有着促进作用，但是同时也存在一些问题。因为艺术中考将音乐课程纳入了中考的总体评价中，有的学校可能会过于功利性的对待音乐课程。音乐课程旨在培养学生的音乐素养，陶冶学生的情操，促进学生全方面发展。但是一旦音乐课程带有评分性质之后，有的学生就会以一种灌输知识的方式来进行音乐课程。这样一来，音乐课程的安排就失去了意义，知识灌输型的教育并不适合音乐这样的课程。艺术中考对音乐课程的重视程度有一定的影响，同样也会影响课程的教学方式。如果学校只注重最后的音乐考核，那么很容易使音乐课程的教学缺乏合理性，让音乐课程的教学带有极强的应试性质。除此之外，有的学校有可能会对学生进行“考前集训”。在中考之前的一段时间里，让学生集中进行一段时间的音乐学习，以此来应付音乐考试。音乐音乐考试成为了计分项，对学生的中考成绩有一定的影响。所以学校也会对此采取一定的措施，让学生能在考试中取得好成绩。一旦出现这种情况那么音乐课程将会受到不好的影响。正常的音乐课程进行起来会有一定的难度，音乐课程的性质也会有所改变。由此可见，艺术中考可能会对音乐课程有一定的消极影响。如果不对音乐教育进行正确的改革，那么音乐课程的性质将会改变，音乐课程将增加更多的功利性。这样对音乐课程的进行也是极其不利的。
四、结语
综上所述，艺术中考对音乐课程有着很大的影响。艺术中考的这项改革举措让学校方面对音乐课程有了更高的重视，让学生以及家长认识到了音乐课程的重要性，学校方面也需要严格按照要求来进行音乐课程的安排工作，音乐课程的教学不能带有功利性，要从培养学生素质出发，努力的以一种更加合理的方式来进行课程改革。
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音乐论文9
一、电子音乐的产生和发展
很多人会把电子音乐和计算机音乐混为一谈，其实电子音乐区别于计算机音乐，但是它们两者又是有着紧密的联系的，电子音乐是通过电子设备和电子手段生成或者加工处理的音乐，它是计算机音乐的前身，而计算机音乐是数字技术的发展出来的一门音乐制作技术，它的发展是基于电子音乐之上的，所以两者是紧密相连的。电子音乐发展的最初阶段是人们为了得到新颖的声音而开发出来的，一些作曲家了为了寻找新的音乐语言和音乐音响，把目光转移到了电子科技领域，，通过实验发现声音通过电子合成技术能打破传统乐器的序列音结构，作曲家们将电子合成技术产生出来的声音视为理想的富有魅力的音乐素材。早期的电子设备很简陋，电子技术也不成熟，作曲家们只能简单的通过电子振荡器来扩展音色，使用铝箔盘来记录生活中的各种声音素材，后来录音技术的发展，出现了磁带处理技术，这个时候磁带音乐出现，也是电子音乐的具体音乐时期。电子音乐真正的诞生是在法国无线电工程师舍费尔的一首音乐作品的播出：《具体音乐》，这首作品没有具体的人来演奏音乐，所有的'声音都是舍费尔提前录制的动物叫声、火车鸣笛声、雷鸣声等声音素材拼接编排在一起形成的，这首作品的出现代表了电子音乐已经开始登上了音乐艺术的舞台。50 年代之后，电子科技技术的不断进步，磁带录音技术已经成为了当时的核心技术，出现了与之相关的硬件设备：模拟调音台、电子压缩器、电子效果器等等。由于法国和德国的电子科技技术比较发达，所以第一个最大的电子音乐实验室就是在法国建立的，50 年代中期之后，各国也相继建立了自己的电子音乐实验室，这一时期的音乐创作大都是从自然界采集的声音素材，对这些素材进行处理变化和有音高的声音结合在一起创作出来的音乐，由于录音技术发展的不够完善，也没有得到广泛的应用，所以这些音乐作品只是局限在专业作曲家的创作范畴。由于只是把声音保存在磁带上，所以是没有乐谱记录的，就算有也是很难理解的，只有专业人士才能够完全看懂，而且操作的过程非常的繁琐，为了丰富音乐的表现形式，演出者经常会配合灯光和一些幻灯片图片混合在一起表演，但是这种音乐在这一时期并没有得到听众的广泛追捧。到了 70 年代，电子科技的进步，出现了电子音乐合成器，它是把效果器、音序器、采样器、调音台、滤波器、混音器等硬件设备技术混合在一起，电子合成器的出现给电子音乐增添了很多丰富的音色，音乐创作也从繁琐变得很简便，作曲家直接调用电子合成器里的音色进行音乐创作，这一时期开始，电子音乐才真正的走到大众音乐生活。80 年代之后，电子合成技术的发展，计算机技术的进步，MIDI 规格的统一，使得电子音乐逐步向计算机音乐发展，实际上，计算机音乐就是数字化之后的电子音乐。
二、在电子音乐作品中的应用
在这个科技发展迅速，数字化的时代，计算机技术的不断进步，计算机音乐成了电子音乐发展进程中一个新的时期的开始，计算机音乐继承了磁带音乐和合成器音乐的所有优点，而且还开发出了更多的独特的音乐创作方式。作曲家们还把噪音、音响、色彩等概念引入到电子音乐作品当中，把音乐的音响在不同层次上进行调整，控制正个作品的结构力度;利用计算机技术对音色进行声音参数的改变，还可以通过循环技术、混响、均衡、延时等技术手对声音进行各方面的效果调试，通过这些手段作曲家们创作了大量的优秀的电子计算机音乐作品。1969 年，第一部完全用计算机合成的作品《突变》是作曲家里塞所做，他是利用泛音节奏的移动使音色解体或成型。法国著名的作曲家让.米歇尔.雅尔在 1976 年创作了专辑《氧气》，整部专辑结合了合成器和电子音乐的特点，以环境保护和生命活力为主题，将《氧气》分为六个乐章，使用了 ARP、AKS 等合成器，还运用了鼓乐和电子合成器制造出诡异和恐怖的背景，是电子音乐和古典音乐的结合，这部专辑的发行，后来成为很多音乐爱好者的教材范本，而且还成为当时唱片的销量冠军。中国的作曲家张小夫得电子音乐作品《吟》也算是中国最早的电子音乐作品之一，这首作品是为中国民族乐器和电子音乐而创作，虽然采样了真实的笛子、箫和埙的声音，不过通过对笛子音色施加大量的长尾音混响器的处理，而且把声音中频段频率提高，使得声音的声场空洞而大气，而且配合着电子音乐部分的低声部线条，更加烘托出了笛子乐器的效果凸显，在音乐的后半部分，作曲家将声音片段做了空间的循环变化，利用左右声像的快速游离滑动，把整个音乐的声音空间从中间扩展到了两边，混响的参数也随着声音空间的变化而变化，使得观众欣赏音乐的空间体积感由小变大，作曲家主要是通过 PitchBend/Shift 效果器对声音素材进行了音调和音域的处理，使得声音的音色发生不同的变化，还利用了 Time stretch 插件效果器对声音素材进行拉伸时间的调整，通过这些数字化的技术手段，增加了整个作品声音的多元化、复杂化和音响空间的丰富变化;这首作品结合了数字化的声音处理方式，使电子音色完美的和传统乐器结合在了一起，凸显出了电子音乐的奇妙色彩，给观众带来了和真实空间完全不同的虚拟效果体验。
结语
计算机技术的迅猛发展，数字技术在不断的渗透着电子音乐的所有领域，虽然还不是完全的取代了模拟时期的电子音乐的所有技术，但是数字技术使得电子音乐发生了很大的变化，使得电子音乐的音色更加的丰富多彩，而且数字化处理的声音是源源不断的，可以对世间万物的各种音色进行改变处理，并且还能很好的对电子音乐的声音空间感进行细致的定位变化，这些技术对电子音乐的创作有着至关重要的作用。
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一、利用角色扮演，创设体验式教学情境
音乐与表演密不可分，要想将音乐所表达的情感内容充分展现出来，还需结合学生绘声绘色的表演才能取得良好效果。而且，小学阶段学生好奇好动、表现欲望强，如果我们能为学生提供角色扮演机会，满足学生的表演要求，学生就会对音乐学习内容投以饱满的学习热情和情绪，我们也能获得良好的音乐教学效果。所以，在小学音乐教学中，我们可根据音乐具体教学内容，采取角色扮演的方式，为学生创设体验式教学情境，让学生通过自己的声音、肢体语言、音乐技能等，将歌曲的情境完美演绎出来，以使我们枯燥、无趣的音乐课堂变得富有魅力和活力。比如，在教学第三册第九课美丽的动物中《大鹿》这首歌曲时，上课开始后，我首先运用口头语言向学生讲述了这个音乐故事的大致情节，然后让学生进行合作表演、分组练习，一组表演兔子，一组表演大鹿，一组为打击乐。我则在一旁对学生的表演活动进行认真点拨和指导，于是，学生在自我发挥和老师的帮助下，将每个角色都演绎得惟妙惟肖、活灵活现，如扮演兔子的，唱出了兔子的害怕、慌张神情；扮演大鹿的，表现出了它的悠闲，演唱时旋律跳跃、明快……这样，通过学生的扮演活动，一方面增强了学生对歌曲的理解力和表现力，培养了学生的创造精神，另一方面使学生体会到了团结的力量，有利于学生与人协作能力的培养与提升。
二、利用理论联系实际，创设生活式教学情境
真正的音乐教学，不只是教给学生音乐知识与技能，更重要的是让学生在真实、自然的.生活中去体验音乐知识的内涵。所以，我们的小学音乐教学，不能将教学课堂仅仅局限于室内，而是让学生回归自然、回归生活，让他们在熟悉的生活场景中去感受音乐的存在。比如，在教学第四册第一课《春天来了》中的歌曲时，因为学习的都是有关春天的歌，而且当时正值春天时节，于是，我将学生带出校园，来到了处处都焕发出新的生机的郊外，碧绿的田野、嫩绿的柳芽、鲜艳的山花、潺潺的小溪、飞翔的小鸟……无不吸引着学生的眼球，他们也立即融入了这优美、秀丽的春景中。这样，当我们在课堂上教唱这一课的歌曲时，学生就能很快进入歌曲的意境中，曲调也掌握得非常快，课堂气氛与以往相比也显得异常活跃，我们也能达到提高学生学习效率和课堂教学效果的良好目的。所以，在小学音乐教学中，我们可适时运用理论联系实际原则，为学生创设生活式教学情境，让学生体验“音乐源于生活”“音乐源于自然”的真理，如此，学生就能用自己的真情实感演唱和体会歌曲。
三、结语
综上所述，在小学音乐课堂中实施情境教学改变了以往机械、刻板的教学模式，它对学生学习兴趣的激发、想象能力的培养以及音乐审美能力的提升都具有重要作用。希望广大音乐教师，能够掌握各种情境教学的方法和途径，并根据学习实际和学生特点进行合理运用，从而使学生在轻松、愉悦的课堂气氛中，学习音乐知识与技能，我们的音乐课堂效果也能得到大幅度提升！
音乐论文11
中国的传统音乐历史悠久，伴随其实践而产生的乐学理论极其丰富。同时也反映了音乐文化发展状况的资料，包括乐器、乐律、乐曲、声乐、演奏、音乐理论以及与音乐相关的诗歌、舞蹈、戏剧等。音乐文化经常伴随着卜列活动而进行交流往来，即有关国家的人民的接触交往、商业活动、人民的迁移流动、政府间的政治和外交活动、宗教的传播等。这份珍宝它属于中国，也属于世界。
中国人民和邻近国家的人民，从隋唐时代就有友好的接触和交往，进行经济、文化的交流，但历史上缺乏关于当时音乐文化交流的可靠记载。现在我们从隋朝统叹公元581年)之后说起。宫廷宴乐中有“天竺乐”和“扶南乐”。天竺乐器有凤首笠模、革巢、五弦、笛、铜鼓、毛员鼓、都昙鼓、铜钱、贝等九种。凤首笠模即竖笠模①，源于西亚。公元605年，隋朝从林邑获扶南乐工及其鲍琴，陋不可用，但以天竺乐传写其声。鲍琴即印度乐器维那。林邑在今天越南中部，乐有琴、笛、琵琶、五弦，颇与中国相同。林邑乐受中国和印度的影响较深。7世纪初期唐朝建立后，中外音乐文化的交流更为频繁，范围也更为)‘泛。唐代音乐以中原音乐为根木，吸取了国内各地区以及各邻国的优秀的新鲜的音乐素养，经过长期的酝酿融合，达到很高的`成就，从而又对各邻国发生了深刻的影响。
唐朝宫廷宴乐也有天竺乐，乐器增加了揭鼓、革巢两种，减去铜鼓。揭鼓相当于印度的“塔不拉”鼓，演奏时起指挥作用。塔不拉源出于阿拉伯的“塔布尔鼓”。天竺舞工的服饰是:辫发、朝霞袭装、行缠绑鹭、碧麻鞋。乐工的服饰是:皂丝布头巾、自练糯、紫绩裤、绊被袭装。服饰虽然具有印度特点，但和库车、敦煌寺院的唐代经变画不完全相同。又史书记载:“婆罗门国②献乐人，倒行以足舞。”扶南乐，乐工以朝霞为衣，赤皮鞋。此服装亦受印度影响。7世纪初期，唐朝有歌颂“秦土”李世民通的《秦土破阵乐》，有歌有舞，影响很大。公元629年，唐僧玄类前往印度取经。他在印度时，有两个国土都对他谈到这个著名的舞蹈。他们只是听说过这个舞蹈，似乎都没有看到。吹管乐器“革巢”是唐代最流行的乐器之一，出于新疆库车.流传到一些邻国.在越南和秦国都称为“革”。“击水杯”，占称击,是中国的一种传统的音乐演奏方式，不知何时传入印度，至今盛行于民间。
隋唐以来，中口两国音乐文化交往频繁。口木经常派“遣唐使’丫‘学问僧”和留学生来中国。他们在中国演奏口木音乐，又把中国音乐带同口木。公元702年，口木设立“雅乐寮成。唐开元年间，口木人吉备真备在中国留学17年，同国时带去相传为武则天撰写的《乐书要录》、方响、铜律管等。至今在口木还保存一种关于唐乐舞、散乐和杂戏的占图录，名《信西占乐图》，全名《信西入道占乐图》。口木占乐书称((懈图》、《唐懈图》、《唐懈绘》。经口木学者考证，它可能是公元12世纪前后的作品，并认为是研究中国唐代乐舞的珍贵资料。口木流传有占抄木《五弦谱》一卷，正仓院也保存《天平琵琶谱》一页，是天平十九年抄木，相当于唐玄宗天宝六板747)。这两种乐谱所用符号和记谱法与《敦煌曲谱》相似。正仓院还保存笙、排箫、竿、腰鼓等乐器和有关文字、图像资料，都是研究唐代音乐和中口文化交流历史的珍贵实物。
公元754年，唐朝政府公布更改一大批乐舞曲名。其中有些曲名原来是梵语的音译，如《优婆师》改为《泛金波》，“优婆师”原是梵语“女信徒”的音译;《婆罗门》改为《霓裳羽衣》，“婆罗门”原是梵语“清净”的音译。以梵语取名的乐曲未必都出于印度，也可能出于佛教盛行的其他地区。但《优婆师》和《婆罗门》应是印度乐曲。这次改曲名不仅是为了使曲名民族化，而且意味着乐曲木身己按照中国风格的要求，经过了改编或再创造。如诗人自居易《霓裳羽衣歌》说:“案前舞者颜如玉，不著人间俗衣服。虹裳霞被步摇冠，锢缨累累佩珊珊。”己经成为中国风格的舞蹈，而且还有道教色彩。
10世纪中期宋朝建立以后，民间的音乐和戏剧活动口益开展。教坊的五队有“婆罗门队”，穿“紫罗僧衣”，执“锡环柱杖”“菩萨蛮队”穿“窄砌衣”，砌衣即僧侣百钠衣;“佛霓裳队”，穿“红仙砌衣”“菩萨献香花队”穿“窄砌衣”等。从舞队的服饰可以考察所表演的乐舞内容和性质。这种乐队一方面继承了唐代的乐舞遗产，一方面又有新的发展，吸收了音乐文化交流的新成果。
据越南史书记载，越南黎朝龙挺土在位时 公元1005-1009的，很宠信宋朝优人寥守忠⑥。这时宋朝的杂剧可能己经传到越南。又越南在陈朝时12- 15世纪)盛行一种集体舞蹈，所用歌词中有《庄周梦蝶》、自居易《母别子》诗等，乐曲中有《降黄龙》、《宴瑶池》等，都是从中国传去的。
元朝统一以后，版图辽阔，海上交通口益发达，这样就更便于中外文化的交流。13世纪末，中国优人李元吉在越南做占传戏，有《西土母献仙桃》等传，角色12人，“著锦袍绣衣，击鼓吹箫，弹琴抚掌”，“更出迭入为戏”。这正是元杂剧的表演形式。 17世纪清朝建立之后，宫廷宴乐中设“安南乐犷越南乐”、“尔喀乐犷尼泊尔乐”和“缅甸乐”019世纪初期，越南的元朝建立，仿照中国占代乐制，越南的旧戏，无论音乐、服饰或演出形式，都受了中国的影响。中国剧目也常常被越南采用。
在过去漫长的历史时代，中国人民和外国人民不断地进行音乐文化的交流，互相观摩借鉴，取长补短，从而丰富了各自的音乐内容，提高了各自的音乐艺术，而且互相加深了了解。今后各国人民之间的文化交流将更为频繁，这对于各民族音乐艺术的发展和传统友谊的增强都会有很大的益处。
音乐论文12
舞蹈和音乐相互依存，没有音乐伴随就不存在舞蹈，即使是最原始的舞蹈也有节拍或歌唱相伴和。音乐与舞蹈的结合，使得音乐艺术的表现形式得到了丰富，而且人们多方面的审美需求又满足于两者相结合以后绚丽多姿的综合艺术中。舞蹈和音乐的这种共性为它们的结合提供了坚实的基础。
一、音乐在舞蹈中的存在性
舞蹈需要音乐的情感激发和动作强化。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的。音乐是一种无声的艺术，它是声音的艺术，是以音响为表现的物化形态。其主要表现手段是旋律，节奏与和声；而舞蹈主要是以肢体动作为其表现的物化形态，主要表现手段是舞情、舞律和造型。音乐是时间、空间、听觉的艺术。
舞蹈是空间、视觉的艺术。它们虽然有着不同却也有相同的地方，一直以来舞蹈与音乐被作为姐妹花艺术来看待。从舞蹈与音乐的结合来看，节奏是舞蹈与音乐之间存在的共同点。节奏是舞蹈动作构成的基本因素，也是构成音乐旋律的基本因素。从产生之初，两者就紧密的结合在一起了，这是他们结合的基础。
从上古时代，舞蹈、音乐就伴随着人类声场劳动而产生。动作和节奏是密切相关的。如《毛诗》序所说，情动于中，而行与言，是言之不足，故叹之，足之蹈之也。人们用手拍打，脚踩踏，在某种动作连续重复过程中，就产生了有规律的节奏，既是音乐的也是舞蹈的节奏。舞蹈需要音乐来强化节奏感，音乐也需要舞蹈来诠释节奏。在节奏相同的情形下，产生多种多样的动作变化和队形的更改，从而形成群舞或独舞。
只有有了一个共同的节奏源，才能创作出一个协调而具有观赏性的舞蹈作品。而在群舞的创作当中，由于表演者是由多个人组成，而每个人的心理节奏却又是不尽相同的，如果没有音乐节奏的规范，舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排每个人的动作，那将导致群舞作品创作失败。在独舞的舞蹈作品创作中，舞蹈编导也必须按照自己的心理节奏，或者是根据自己对于音乐的理解，自行安排与音乐相对应的舞蹈动作完成作品创作。
抒情也是舞蹈与音乐的共同点。两者都长于抒情而拙于叙事。舞蹈借助形态动作，便于表现情感的外部形态，音乐长于抒发复杂而强烈的内心情感，而且音乐的表达具有抽象性，它不会对舞蹈的具体表达产生重叠，矛盾或干扰，而可以与舞蹈结合得天衣无缝。
二、音乐是舞蹈的灵魂
音乐是舞蹈的灵魂。舞蹈成为音乐之行，音乐成为舞蹈之声，自古以来就难舍难分。从音乐中的音素、动机、主题旋律与环境氛围，其一致性达到了近似同步的境地。舞蹈作为一种综合性的艺术，音乐在其中所起的作用是显而易见的，也是十分重要的。舞蹈属于视觉范畴，有形而无声，而音乐则属于听觉艺术的范畴，有声而无形，两者可以有机结合。在舞蹈表演艺术中，优美的音乐配合，可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪，体现个性，烘托气氛，从而塑造完美的舞蹈形象。舞蹈中的音乐是完成舞蹈作品中的艺术形象和揭示其主题思想的组成部分。
舞蹈表现的情绪变化，是通过音乐的旋律、节奏、速度、力度来体现的。舞蹈正是在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造鲜明的艺术形象的。就来说说舞剧当中的《乌纱魂》的编导情况为例。在该剧的编导过程中，他没有单纯地去设计舞蹈动作，而是先把大部分时间和主要精力用在倾听音乐上。
所谓听，就是用心灵去感知音乐，就是入境，在旋律中体味，去寻觅动作的源头。一旦捕捉住情感的最佳宣泄点时，剧情中设计的动作和音乐融为了一体，自然流淌而出。在排演场上，剧情不靠回忆动作，更不靠场记，而是先和演员一起反复听音乐，交代对音乐的准确感觉，待音乐唤起灵感冲动后，他便在凝固的音乐气氛中如痴如狂的教起动作来。这时舞蹈随音乐驰骋，动作从胸中流出。
因此，《乌纱魂》剧的动作不是硬编出来的，而是自然流出来的，如同行云流水，相映成趣。这正是源于舞蹈与音乐这种密不可分的关系，自古以来，我国就有乐舞之称。舞蹈需要音乐的激发与强化。离开音乐，舞蹈是难以充分表达感情的.。音乐本来就有直接渗入人心的特点，欣赏中常常把音乐中表现的感情当做自己内心的感情来体验。舞蹈家对于自己表演的作品的组成部分的音乐当然有更深的感觉和理解。这种感觉和理解进一步激发起内心的感情，通过外在的形体动作表现出来。
三、舞蹈与音乐的内在联系与异同
(一)舞蹈与音乐的内在联系
舞蹈是以人的肢体语言为主体的，那么音乐究竟给予舞蹈一些什么呢本人看来，音乐shi少在以下六个方面，给舞蹈增添了魅力。
(1)节奏、节拍等，给舞蹈以鲜明的律动；
(2)音调、调式、音色等，给舞蹈以主题形象和风格的预示；
(3)背景音乐、音量、速度等，给舞蹈以情绪的渲染和烘托增加戏剧性；
(4)转调、变和铉、变节奏等，给舞蹈的内容以花容点睛，立增加戏剧性；
(5)和声、复调等多声部，给舞蹈形象表现以丰富感，立体感和层次感；
(6)不同的曲式结构连接，使舞蹈作品的情节发展更具逻辑性、完整性。
(二)舞蹈与音乐存在的共同点
1.舞蹈和音乐都是时间性流动的艺术，它们都是表现一个连续的、进行的过程，音乐是靠音符的连续，舞蹈是靠动作的连续，二者都是以节拍和节奏组织起来、连贯起来的。如果说旋律是音乐的灵魂，那末节奏就是它的基础，同样地说，动作是舞蹈的灵魂，那么它的基础也是节奏。因之节奏是音乐与舞蹈同步进行的最重要的基础，也是连续两种艺术的桥梁。
2.舞蹈和音乐在表现特点上都是不擅长表现抽象的概念。二者都是长于抒情，拙于叙述，更拙于理论。舞蹈与音乐都是人类实践的产物，是人们审美的一种方式，它反映了一个民族的思想感情和生活志趣，并表现着他们的传统习俗，道德观念以及理想和愿望。它们都来自于生活，并都用自身的表现规律去揭示生活，因此，它们是具体的，形象的，并不是理论性的。
3.舞蹈和音乐都是表演艺术。它们必须经过二度创作表演，才能完成整个创作的过程。当一个舞蹈作品在舞台上演出时，舞蹈和音乐同时经过视觉的途径到听觉的途径殊途同归于欣赏者的感官，融合在一起，产生了新的质。
(三)舞蹈与音乐存在的差异
1.音乐是听觉艺术，舞蹈是视觉艺术，进一步说，一个是有声而无动作，一个是有动作而无声，这两者的结合既有声又有动作，就可能产生更鲜明、更准确的形象和更深刻、更细致的感情。
2.音乐善长于表现人的内心情感，本身具有较大的可塑性和抽象性，并且是靠听着来联想，发挥其最好的效益，而舞蹈是通过具体的动作来表达要表达的对象。
3.音乐是可以不依靠其他艺术而独立存在的，而舞蹈必须依赖音乐而存在，人类感情最直接的表示就是语言，当语言不足以表达情感的时候，就用欢唱来表达，当欢唱还不足的时候，才用手舞足蹈来表达它。
从上面的分析可以看出，音乐与舞蹈是密不可分的。音乐是舞蹈的声音，舞蹈则是音乐的形体，舞蹈与音乐如鱼和水，相互依存，相互作用，两者结合给人类带来一种美妙的艺术享受。
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一、印度音乐神奇的旋律与节奏
印度音乐源远流长,至少有3000年历史。印度文化的多样性特征、印度艺术同宗教千丝万缕的联系、印度艺术与原始思维的密切联系等等特点都在音乐中体现出来。印度音乐具有以下四个主要的特征：多样化的统一;象征性;大众化与实用性;独特的调式、旋律与节奏。
印度音乐的多样化首先表现在历史的过程中，不断融合了各民族的音乐元素。最初生活在印度土地上的达罗比荼人就有本民族的原始的音乐和舞蹈，以后陆续进人印度的有雅利安人、希腊罗马人、蒙古人、突厥人、伊朗伊斯兰人和近代进人的荷兰人和英国人等都带来了自己民族的音乐，在印度现代音乐中，可以发现各民族的音乐元素和特征,这些共同构成了印度音乐的总体特色。其次，印度从古代起,音乐就因为种姓的区分而划分为民间音乐和宫廷——贵族音乐；由于印度地理的复杂性，又导致了不同地区又有各自的部族的音乐。例如，在印度古典音乐中，就有南、北音乐之分;现代社会中，又有现代北印度音乐和南印度古典音乐以及现代流行音乐之分。再次，印度音乐就发音方式而分,还可以分为用手指弹出的音乐、在某种皮膜上敲击出的音乐、用气吹出的音乐、金属撞击发出的音乐和人类的喉咙发出的音乐等，这些发音分类又在不同民族和不同地区形成了各自的音乐演奏系统。与此相联系,古印度音乐学家哈瑞纳亚克（Harinayak)还把声音分为三种：即生物之声，如人声;非生物之声，如乐器;生物与非生物结合之声,如竹笛。上述这些多样化的因素又统一在“印度音乐风格”的旗帜下，形成既不同于西方音乐，又不同于东亚、西亚音乐的“印度音乐”。
印度音乐具有鲜明的象征性特点。在印度古代的音乐典籍《音乐论》(SangitMakaranda)中,作者纳拉达（Namda)就说:是七位圣人分别在七个岛上、在不同的时间中创造了七种不同的声音（Nadas),这七种声音代表七个不同的神灵，它们与不同的色彩相联系,各自象征不同的色彩。这说明每一乐音有其各自的象征意义和功能。.在桑拉伽?德瓦（SarangaDeva)写作于1247年的音乐著作《夜晚的音乐》（SangitRat-nakar)中记载:印度音乐中的三种不同的调式，即主调音阶、下属调音阶和中音音阶是大梵天、毗湿奴和湿婆三位神灵占卜用的数列。上述三个音阶分别配属于每一天不同的三个时段：主音音阶适用于上午；下属音阶适用于中午；中音音阶适用于下午。这三个音阶还与不同的季节相联系：主音音阶适用于晚秋的秋收季节;下属音阶适用于夏季；中音音阶适用于雨季。印度音乐以旋律为主体,旋律以线性式的结果不断向前延伸，乃至于无限地发展变化。威尔?杜兰说：印度音乐的“旋律一方面是有限的，一方面却又无限。”
“印度的音乐家如像印度的哲学家,他从有限开始而把‘灵魂放入无限’”。而“通过有限去追求和表达无限”正是印度思想的核心和特点。印度民众都相信音乐独特的神秘的力量，音乐家根据不同的调式（中文又译为“曲题”）组合成不同的旋律结构，这种结构主题又被命名为不同的名称并赋予它们不同的象征性功能。“每一主题都用它所要表出的情意来命名——‘清晨’，‘春’，‘沉醉’……等——并且和一日或一年的某个特定的期间有关联。据印度传说，这些曲题具有玄妙的力量，据说有一位孟加拉的舞蹈女郎唱了一回‘喜雨题’(Meghmallarraga)而中止了一次旱灾。这些曲题由于年代久远而具有一种神圣的力量，演奏者必须忠实地遵循它们，好像当作湿婆是所创造的形式一样。此外，古代印度音乐理论常把从音符2(1{3)3(]^)4^￡1)5(301)6(La)7(Si)到l(Do)的7个音与日月星辰、季节气候、禽兽鸣声、人的不同年龄以及各种颜色等相匹配、比拟,同时还以相关的调式来象征这些事物的存在和特点。例如，把上述7个音分别象征为、比喻为月亮、水星、金星、太阳、火星、木星、土星；或比喻为孔雀、牡牛、山羊、苍鹭、杜鹃、马、大象的鸣叫声。这一切都表明：印度音乐理论所竭力要说明的，不是音乐本身的规律或方法，而是为了证明某种哲理，解说某种真理。例如，在印度佛经《长阿含弊宿经》中，有一个运用音乐演奏的事例来说明佛教哲学关于事物的真理是“和合而成”的道理，其目的不是解说音乐本身,而是取譬喻理来说明佛教哲理,迦叶说：“诸有智者以譬喻得解，今当为汝引喻。昔有一国不闻贝声。时，有一人善吹贝，往到彼国，人村执贝三吹，然后置地。时，村人男女闻声惊动，皆就往问：‘此是何声，哀和清澈乃如是耶？’彼人指贝曰：‘此物声也’。时，彼村人以手触贝曰?/汝可做声，汝可做声’。贝都不鸣。其主取贝三吹置地。时,村人言：‘向者美声非是贝力,有手，有口，有气吹之，然后乃鸣。’这则故事旨在说明美和美感是人与贝螺两者因缘和合而成的道理，并不在于讲解音乐本身的理论。上述例证充分地说明了印度音乐的象征性。
印度音乐是大众化的实用性的音乐。印度音乐起源于古代人类为了生存而进行的实践活动中，原始宗教的巫术活动、祈祷仪式、民间节日庆典等则是其主要的表现方式。在这些活动中，诗与歌、音乐与舞蹈都在宗教仪式中融为一体，都是表达生存意愿和宗教理念的方式。这些活动原本都是群众性、大众性的活动。人们在这些活动中，既是表演者，又是欣赏者，音乐舞蹈是印度人生活内容中的一部分。“音乐在印度人民的宗教生活、艺术生活及社会生活中起着极其重要的作用。鉴于印度音乐是从劳动号子和农业歌曲到那些伴随人一生重要事件（诸如诞生、人社、婚嫁和死亡）的音乐，是人们日常生活劳动中不可或缺的组成部分，因而大部分印度音乐可称为实用音乐。从印度古代音乐的传播方式看，其传承方式本身就是全民性的、大众化的。尽管印度音乐的乐谱可以用梵文字母书写，但通常它们不是被写录下来的。音乐是民众一代又一代借助师徒之间或家庭内部的口授和耳听的'方式记忆下来的。
印度音乐的实用性最充分地表现在宗教活动中，由此也导致了音乐的神圣性特点。早期，雅利安民族的《吠陀》诗歌就是咏唱的赞美歌，它有非常严格的声调、曲律规则，加之原始的《吠陀》语言有一个重音体系，每一个重音的不同位置都和意义相关。在《梨俱吠陀》和《耶柔吠陀》朗诵的传统中，至今都还有很多关于重音和曲调等音乐性的解释的证据。婆罗门在传授《吠陀》经典时,有一整套严格的发声训练和咏颂方法，这种传统一方面导致了印度诗歌音韵学的发达，另一方面决定了印度音乐具有严格的承传性、丰富的旋律性和不间断的线性发展模式。印度音乐除了上述宗教上的实用性外，还具有神圣性的特点。传说，有一个名叫纳拉达（Narada)的演奏者由于在演奏时漫不经心，被护法神送进了地狱，他看到一些断臂缺肢的男女在哭泣,护法神告诉他，这些人就是他在胡乱演奏时被他所扯裂得残缺不全的曲调。纳拉达非常震惊。从此，纳拉达的演奏就非常完美了。音乐的神圣性还表现在音乐的起源上。据印度神话，音乐为天神所创，天神的本性是完美，天神的音乐就是他完美的本性的显现，音乐的神圣性就在于此。不仅如此，在日常的生活中，印度民众还创立了“音乐瑜珈”。它借助特定的调式和起伏的旋律及不断地重复甚至于借着一种有催眠性的单调音符，创造了一种音乐性的瑜珈,而顿忘了意志、个性、物质与时空,灵魂被提高到一种与某种‘深度渗合’的东西达到神秘结合的境界,那是某种深沉、巨大而安祥的存在体,某种原始而周遍流行的真实，微笑地俯视着一切挣扎的意志、一切的变化与死亡。
印度音乐有独特的调式、旋律和节奏。印度音乐理论中的“乐音”（纳达,Nada)按不同的发音方式分为前面已说明的5种类型。“纳达”一词意为“生命中存在着的火焰”。“火”是组成世界万物生命存在形式的五种（地、水、火、风、空）最基本的原素之一。火是指生物尤其是人体内部的热量或火气，转义为万物的激情、情绪。这种激情通过喉咙迸发出声音，所以声音就是激情的表现，各种不同的声音就构成了音乐的情、味（msa)。这说明印度人很早就把声音和情感紧密联系起来了。在音乐中，纳达按音频的高低被分成了不同的组。从一个音开始,到该音的再次出现为一组，由于每组的高低不同，每组被赋予了不同的名称。处在低音区的叫做“曼德拉”（Mandra)，处在中音区的叫做“玛德雅”（Madhya),处在高音区的叫做“塔拉”(Tara)。在印度音乐中，“拉格和塔拉是印度古典音乐的两大要素。“拉格”一词源于梵语词根ranj,意谓色彩或带有感情色彩。音乐中的“拉格”近似于由调式而产生的基本音阶或音调体系，也可以理解为旋律。在13世纪成书的《乐舞渊海》中，拉格的总数达264种。这决定了印度音乐的复杂性和多变性。调式和拉格相结合就产生出特定的情味。这大概是拉格在音乐中具有优先地位的原因。所谓“塔拉”（Tala)即节拍、节奏。塔拉是用段、节计算。印度音乐中的塔拉由于各地音乐的差异而显得相当复杂，极难掌握;演奏中常用不均等节拍。但塔拉在音乐演奏中的作用非常重要。
印度音乐的音阶、音律也是十分丰富和特别的：有五声音阶、七声音阶，还有类似阿拉伯音乐的增二度音阶等等。“印度音乐主要是基于曲调和节奏，而西方所知的和声与复调则和印度音乐一点关系也没有。绝大多数印度音乐具有调式特征:它通常用一个建立起参照性固定结构的低音部作为伴奏,并排除那些在西方音乐中最有特点的调性变换。”[3](P311)印度和西方的大多数音乐理论家都认为，印度音乐中的一个8度音阶是由22个微分音（即“斯如梯”，Sruti；每一个“斯如梯”是四分之一个音，Quarta-tone)组成。这与西方音乐中的十二平均律的每一个8度中含有12个半音不一样,也就是说,在印度音乐中，音与音之间的距离要小得多。十二平均律中的一个大二度可以分为4个印度音乐中的“斯梯如”。印度音乐中有大量的滑音，其间就有众多的“斯梯如”成分；加之古代有许多弦乐器是无“品”的,这对于表现滑音和产生较多的斯梯如是十分有利的。由于斯梯如在音阶中的重要作用,导致了印度音乐在旋律和风格上的独特性。印度音乐作为一种调性音乐，七个音符的重要性是不同的,其中有的音符是骨干音符，而另一些则是装饰音符。骨干性的音符称之为“阿姆沙”(Amsa),由“阿姆沙”构成旋律形态，这种旋律形态叫做“那亚沙一斯瓦拉”（GrahaSwam)。旋律形态分为上行的或下行的,每首乐曲都要是以基本的旋律形态开始的,可以不断连接不同的旋律形态，由此旋律就无限地延伸。有的旋律呈波浪形发展,有的呈螺旋形变化,加之大量的装饰音以及节奏上的不断变化,使人感到印度音乐旋律的时隐时现、神出鬼没、无穷变化。千百年来，印度音乐的旋律得到了最充分的发展。
现今的印度音乐分两大体系：北印度体系是波斯、阿拉伯音乐和北印度本土音乐融合而成的体系；南印度音乐以宗教内容占主导地位，在演唱、演奏时乐音的颤动、滑动的速度较快，即兴的成分相对较少。总体上讲,印度音乐是植根于印度古老文化土壤中的奇葩异草。它无论在形式中、内容上和审美的风格上,都显示出了独特性。20世纪印度诗圣、作曲家、画家泰戈尔曾将印度民族音乐同西方音乐进行过有趣的比较。他认为，“我国的音乐在某些方面与欧洲有着根本的区别。乐调则是我国音乐的主要支柱。欧洲重视丰繁,而我们关注一致。……我国的音乐力图抓住其中的那首歌。它深沉、神秘、协调一致。它沉寂于天际，冥想中可以获得。与奔驰的丰繁同步前进,是欧洲的风格。聆听、关注永静的和谐,使自己心平气和,是我们的特性。“欧洲音乐仿佛同人类实际物质生活奇特地纠缠在一起。正因为如此,那儿的旋律被绑絷在所有的事件和描绘的基础上。在我国，曲调若那样表现’它也会奇特无比,但它就没有任何情味了。我们的歌曲仿佛超越日常生活的包装,因为它们具有如此‘慈悲’，如此‘出世’，它们仿佛显示着浩渺的宇宙自然,表现人类心灵的最深处不可言喻的神秘莫测的图画。“我好像觉得，白天的世界像欧洲音乐——它的和声与非和声在宏大的和谐进行中相互转变;黑夜的世界像印度音乐——纯正的、自由的旋律,低沉而强烈。……我们印度人是在黑夜的统治之下。我们沉浸在永远不变之中、一体中。我们的曲调是独自一人时唱给自己听的，它们使我们离开那个日常的世界，冷漠地进入孤独之中。欧洲音乐是为大众的，它带着我们前进,跳着舞，徘徊于人们的悲欢之中。只要细细品味,就可以感悟到泰戈尔的上述看法是非常深刻而精到的。
二、印度舞蹈的美学特征
同音乐一样,印度舞蹈也具有久远的历史。公元前三千年前的莫享焦?达罗古城遗址就出土了舞女的雕像;雅利安人进人印度后，舞蹈成为宗教仪式和生活内容的不可或缺的部分。例如，节日庆典、结婚、人的出生、乔迁新居、播种、收获等都以舞蹈来表情达意,欢庆生活中的种种喜悦。在《梨俱吠陀》中就有人们以舞蹈来取悦于神的诗句;从早期佛教到中世纪印度教的雕刻和壁画中就可以看到大量的舞蹈造型艺术。在南印度的西当巴朗（Cidambaram)舞王湿婆神
殿的墙壁上，就刻有122幅健舞的姿式，它们相当于古代的舞谱，是南印度舞蹈所制定的标准动作或规范。印度教的三大神之一的湿婆就被人们尊崇为“舞蹈之王”，他以舞蹈来创造或毁灭世界，以他各种形态的舞姿造型的雕像至今都极为普遍。在古梵文的典籍中有著名的《舞论》，它专门探讨戏剧的结构和舞蹈表演中的表情与韵律。在当代印度舞台上居领导地位的、也是最受人们欢迎的古典舞蹈形式是泰米尔纳杜邦的婆罗多舞（BharataNatyam)、奥里萨邦的奥蒂西舞(Odissi)、嘻拉拉邦的卡塔卡利舞（Kathakali)、安得哈拉邦的库奇普第舞（Kuchipudi)、拉克和齐浦尔邦的卡塔克（Kathak〉舞、曼尼普尔的曼尼普利舞（Mannipuri)等。此外，其他还有各种各样的民间舞蹈共同展现出印度发达的舞蹈艺术。印度舞蹈有两个突出的美学特点。
第一,宗教的象征性。印度神庙中的舞蹈雕刻是凝固的姿态艺术。但在古代,印度寺庙里确实存在过在宗教仪式中专门用来娱神的舞蹈女。她们是最早的舞蹈艺术家。在古代的宗教仪式中，诗与歌、歌与舞蹈融为一体。因此，舞蹈同诗、歌一样是宗教崇拜的神圣的形式。这些舞蹈不仅仅是为了展露美丽的肉体和迷人的姿态，而主要是模仿神的创造世界与毁灭世界的过程;模仿神的神奇的动态和优美的身姿；模仿宇宙生命的颤动和生命的节奏和韵律。在这种舞蹈中，舞蹈者身体的每一个动作、手、臂、腿、脚、身肢、眼神都要表达出特定的神性的象征性的含义。20世纪印度著名的舞蹈家印德拉尼?拉赫曼就是这种“神舞”的表演家并贏得了世界性声誉。古代印度民族在农耕和狩猎等生产劳动中、在宗教仪式中就积累了大量的关于手势语、形体语和眼神语等等表情达意的方法和语言形式，这些形式逐渐凝固下来，成为本民族通用的或都能够理解的一种特殊形式的语言。这些特殊的语言符号为造型艺术提供了丰富的肢体语汇，并在造型艺术中凝固下来，保存至今。例如佛教就有分类非常细致的“手印”（手语）和坐、立等形体姿态语言，其中著名的有“无畏印”、“施与印”、“召唤印”、“拈花相”、“智慧印”、“指针印”等。中世纪时，印度教发展了手语、眼神语和形体语传统，更加广泛而细腻地对这种语言加以分类,赋予它们更充分的表达力。可以说，印度舞蹈把人的肉体动态之美表现得淋漓尽致,使人的肢体成为最美和最自由的形式，尤其是双手的无穷变化，使它们成为肉体的花朵。这种丰富的、多种多样的肢体语言，不仅超越了人类对有声语言的依赖，而且其表达能力甚至可以不借助音乐、诗歌而传情达意。正因此，导致了印度舞蹈语汇的象征性、含蓄性，使其更具有情味、滋味,更富于言外之意。
第二，叙事性。印度舞蹈产生于民众的生活中，发展于宗教活动中，这就决定了印度舞蹈所表现的主题与题材的叙事性特点。印度舞蹈表现的题材大多数为神话、传说中的经典故事或其中的片断。大史诗《罗摩衍那》、《摩诃婆罗多》以及黑天的爱情故事是印度舞蹈取之不尽的题材。史诗曲折的充满情味的故事情节也就决定了舞蹈表演的叙事性特点。在印度舞蹈的基本形式中，有一种叫做“努意雅”(nryttya)的舞蹈就是对主题做出直接的陈述;另一种叫做“哈斯塔斯”(hastas)的舞蹈其特点是:舞蹈者的每一个动作或手势都代表一句话，一个字或一种观念。这些手势、姿态、眼神和肢体形态同音乐结合在一起,就形成了一种叙述性的“语言”。人们在观赏过程中，可以从舞蹈者的指尖中看出“话语”，从舞蹈者的凝眸微笑中领悟到某种特定的情感信息。著名的“卡达卡利舞”就是叙述《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》和《往事书》故事的舞蹈。
印度舞蹈的上述特点与印度古典美学思想有高度的一致性，它以表现“情味”为艺术目的，以宣扬宗教精神为己任,在舞蹈者不断的形体变换中，在丰富复杂的音乐节奏的转换中，让人们去领悟到宇宙生命和人的生命的脉搏所产生的共振，由此达到梵我同一的理想境界。
音乐论文14
音乐，和谐之音，美妙之乐，用心沟通。
作为一名刚刚踏入音乐教育的新老师，在培育孩子幼小心灵的时候，不仅需要将音乐的种子播入孩子的心中，更要让孩子从内心深处感觉音乐不是一种无生命的缥缈，而是一种有生命的跳动。
作为一名小学的音乐老师，需要考虑的不仅仅是完成教学任务，把音乐从头到尾一句不落的灌输给学生，机械的运作往往只能导致孩子的一脸茫然；而是在完成教学任务的同时，考虑如何将音乐转化为学生自己的内在的东西去把握，也就是说如何把音乐在孩子幼小的心灵中扎根。
马斯洛指出：人的一生不仅仅是追求物质的满足，更重要的是精神的满足。人的需要是不断地从生理需要，安全需要，交往需要向自我尊重和自我实现的需要中发展。在如今社会主义现代化建设大环境下，人民安居乐业，这就造就了我们现在在追求不是低层次的需要，而是如何去实现自我的价值，实现自我尊重和自我实现的需要。所以在音乐教育过程中，要充分考虑孩子天真的童趣，正是因为童贞，难免少不了的就是感性。孩子在学音乐的过程中，会将音乐教育的本身看作是一种新鲜而神奇的东西，因为他能感受到音乐的神秘。也许孩子天生就喜欢音乐，从呱呱坠地的`婴儿开始，在其肆意哭啼时听到美妙音乐的时候，会下意识的寻找这天籁之音的发音源，这就让音乐在很小的幼儿心灵种产生了一种触摸不到的感觉。
所以，作为一名音乐老师，在了解孩子天性的同时，更要注意如何在课堂上将这种天性激发出来。这就需要一种互动式的音乐教育，用心和对音乐的憧憬去和孩子沟通，达到乐此不疲的感觉。在教学时要一往情深，交流的语言、神态要充满对音乐的浓厚情趣，精心安排好情境，在把握好音乐环境的基础上，把学生的兴趣引导到音乐中来，使学生产生高昂和振奋的心理状态，情不自禁的参与到互动的音乐教育中来，达到以音激情，以乐感人，激发孩子本身喜爱音乐的天性。
因此，在教学中过程中，一要注意用音乐的语境来激发孩子参与互动的音乐教育中来，发挥音乐课堂的团队效应，将分散的孩子的千姿的心境集聚到自己的周围，与孩子心灵碰撞，融入其中，发掘孩子对音乐的想法，然后有针对性的因材施教。二要注意在教学过程中发挥个人潜能，让孩子尽其所能去放开歌喉展现自己，挖掘孩子心灵深处的东西，并给予发自内心的鼓励。三要营造宽松愉悦的氛围，音乐的课堂不是简单数理化的理性综合，而是一种结合感性与理性的结合体，需要不断为学生营造无拘无束的愉悦的课堂环境，而不是去营造紧张的氛围，让孩子体会婴儿般对天籁之音的追求。四，通过音乐的课堂，让孩子去感受审美的意境，培养孩子享受成功的欢愉，发挥孩子音乐的潜能，挖掘孩子对音乐的创造力，以促进孩子的全面发展。
音乐论文15
音乐学专业钢琴教学改革论文
钢琴教学是高校音乐学当中一门较重要的课程。对于钢琴教学的模式一直在研究和探索。努力实现完善的教学课程系统话，丰富课程内容。使这门课程具有科学性，实战性。随着新时期的到来，社会需求的日益加大。逐步反映出现在如今的钢琴教学还是按照传统的思路来学，忽视学生对钢琴技能的实战。高校音乐学专业其特殊性，使其在教学过程当中占有既特又重要的地位。由于素质教育重要组成部分是音乐教育，其专业的重要职能是向社会输送音乐教育者。这就要求合格的高校音乐学专业师资必须要有好的钢琴基础。高校音乐学钢琴改革，会影响到音乐学的前途和发展，会对今后的钢琴事业产生重大和深远的影响。钢琴教学的改革是在新的体制下的必然产物。教学应向多样化发展趋势进行。在改革的同时也要同步发展，既要有扎扎实实的基本功，还要有一定的即兴伴奏能力，同时还要学以致用，这些也是我们要从各个方面去考虑的。在这就钢琴培养的目标，钢琴教学的内容，钢琴教学的理念来浅析高校音乐学钢琴改革。
一、钢琴培养的目标
当下，学钢琴的学生越来越多。喜欢的钢琴的学生也多。原来传统的钢琴培养目标是就是单一的练好钢琴作品。随着时代不断进步，社会上需要大量的可以即兴演奏钢琴的人员。而目前培养的学生中大多数都不太会弹奏即兴这部分，这就使得大多数学生不可以积极适应社会，不能够很好的融入社会。这就使得我的钢琴培养目标该进行调整，在保证正常的钢琴作品的演奏情况下，也熟练掌握即兴的演奏。以便更好地服务社会。按照《新课程标准》的要求，音乐学专业最终目标是为了培养合格音乐教师。《新课标》要求音乐学专业的学生在钢琴上要好的演奏教学能力，同时还要有好的钢琴教学能力。而学生到今后的工作岗位上缺乏实践锻炼，心里素质差，一上台就会出现各种各样的问题和毛病。更多的希望学生在校期间大好良好的基础。音乐学的学生必须要会往实践中走，而后又返回学习当中去，不断的提高自己。我国一直都在开展素质教育，大大地增加了音乐学科的课外活动。为了符合社会发展趋势，在培养音乐学学生在钢琴方面的登台表演经历和艺术实践活动能力，那音乐学专业钢琴教学必需作出改革。改革的目标就是让每一名学生都参加艺术实践活动中，多去校外实践基地实习。
二、钢琴教学内容
传统的钢琴教学当中，大量的都是世界名家做的钢琴作品。比如有拉赫马尼洛夫音画练习曲，柴可夫斯基的四季等。更具不同人的喜好有些同学喜爱巴洛克时期的作品，有的`喜好古典主义时期的作品，有的喜好浪漫主义时期的作品。那有些学生喜好拉格泰姆，爵士，布鲁斯等黑人音乐风格音乐元素的借鉴。在音乐学学生走上工作岗位之后，即兴伴奏的强与弱，对学生来说是极其重要的。在钢琴教学过程中不仅要有钢琴的课程，更开设即兴伴奏这门课程。但是这门课开设，在这些年也反应出。由于学生钢琴基础水平的高低不一样，使得教师在实践中遇到很多难题。即兴伴奏是钢琴技能，基础课程融合的一个综合性科目。在学之前应该要学生具备车尔尼599，849水平，学习内容该重点强调说有大小调音阶琶音和弦。同时还要求学生具备很好的和声基础。在钢琴教学内容中多多了解内容，情绪，风格。好的伴奏能力是通过多次的实践长期练习获得的。学生该主动多完成谢曲目，在完成老师留作业以外，还要多去找比较生疏的曲目进行练习，这样可以提高识谱能力。生选用的教材上太单一化。可以通过改革实现巨大的包括性，把钢琴基本的弹奏技能知识与即兴连起来，进行重新编写。那这样的教材也大大提升的教学效果。授课时时会对学生进行集成练习部分，有音阶，琶音，和弦以及哈农还有各种练习曲以外，可以加入伴奏音型，和弦的连接训练。这样使我们学生在刚刚开始学习内容中就得到丰富。同样要严格要求学生弹奏内容同时，更该让学生多多弹奏乐曲的伴奏部分。让学生多听旋律和声以及伴奏织体。例如学生弹拉赫马尼洛夫的作品时，就应该注意多多分手练习，多体会和领悟旋律的走向。
三、教学理念
破原有思维模式，敢于创新。音乐学的学生是要求钢琴，即兴伴奏，艺术实践活动三个大方向合成的。这三个部分是依托关系，缺一不可。虽然在学习过程当中这三课程由不同主教老师分开教学，但是为了学生能够更好的将这三门课紧密的联系在一起。这三个课程的老师应相互协商，相互探讨。如何让这三门课有机的结合在一起。这就需要突破我们教师原有的教学理念，使更多的教师参与进来，多交流，多合作。并长期教师之间形成很好的交流，大大提倡教师之间的合作交流。三门课程的教师该多多找找科目的通性，及不同的地方一并解决。在基础和的同学生身上要多多发现好的学习方法，也可以让老师和同学共同总结和完善教学方法。这样会有利于学生的学习进度。同样在每个学期中，举办组织学生进行教学观摩。根据音乐课的特点，定期开展以系部，班级为单位的教学观摩，同时也较强的促进学生之间的学习，以提高他们学习积极性。对于考核我们要多样性发展，把艺术实践的成果也计算学生的成绩之内。这样学生会更主动的学习。对于高校的音乐学钢琴的改革，必学坚持以科学为主导，主动放弃陈旧的课程观念，使钢琴这个大学科能够互相促进，这样才能使这一学科培养更多的人才高校的改革是一项系统工程，它考虑的面广，量大。应该从实际出发，克服困难，勇于突破和大胆创新。这样的音乐学钢琴教学的实质发生了改变。才可以真正推动我国高校音乐学钢琴教育事业的发展更稳，更科学，更有活力。最终使学生好老师都满意，社会高度认可的改革。
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